Zinaida Serebriakova o della sua amata terra

autoritratto

Zinaida Serebriakova
ucraina 1884 – 1967

è una pittrice russo/ucraina/francese a cui io sono molto affezionata per la sua costanza nel dipingere nonostante tutte le traversie della vita e la sofferenza, non ha avuto una vita facile, ma non ha mai smesso di dipingere mai e sempre “a modo suo” nel ricordare la sua terra e i suoi abitanti!

è nata nella tenuta di Neskuchnoye vicino a Kharkov (ora Kharkiv, Ucraina) in una delle famiglie più raffinate e artistiche dell’Impero russo,
apparteneva alla famiglia artistica Benois. Suo nonno, Nicholas Benois, era un famoso architetto, presidente della Society of Architects e membro dell’Accademia russa delle scienze. Suo zio,Alexandre Benois, era un famoso pittore, fondatore del gruppo artistico Mir iskusstva. Suo padre, Yevgeny Nikolayevich Lanceray (Wikidata), era un noto scultore e sua madre, la sorella di Alexandre Benois, aveva un talento per il disegno. Uno dei fratelli di Zinaida, Nikolay Lanceray, era un architetto di talento, e l’altro suo fratello,Yevgeny Yevgenyevich Lanceray, ha avuto un posto importante nell’arte russa e sovietica come maestro della pittura monumentale e dell’arte grafica. Anche l’attore e scrittore russo-inglese Peter Ustinov era imparentato con lei.
Nel 1900 si diplomò in un ginnasio femminile (equivalente al liceo classico) ed entrò nella scuola d’arte fondata dalla principessa Maria Tenisheva. Ha studiato sotto Repin nel 1901, e sotto l’artista Osip Braz tra il 1903 e il 1905. Nel 1902-1903 trascorse del tempo in Italia e dal 1905 al 1906 studiò presso la Académie de la Grande Chaumièrea Parigi.
nel 1905, sposò il suo primo cugino, Boris Serebriakov, figlio della sorella di Evgenyi, e prese il suo cognome. Serebriakova ha continuato a studiare per diventare un ingegnere ferroviario.
dalla sua giovinezza in poi, Zinaida Serebriakova si è sforzata di esprimere il suo amore per il mondo e di mostrarne la bellezza. Le sue prime opere, parlano in modo eloquente di questa ricerca e della sua acuta consapevolezza della bellezza della terra russa e della sua gente. Questi lavori sono studi realizzati nella natura e, sebbene fosse giovane all’epoca, il suo straordinario talento, sicurezza e audacia erano evidenti.
un ampio riconoscimento pubblico arrivò con l’autoritratto di Serebriakova At the Dressing-Table (1909, Galleria Tretyakov), mostrato per la prima volta in una grande mostra organizzata dall’Unione degli artisti russi nel 1910.
Si unì al movimento Mir iskusstva nel 1911, ma si distinse dagli altri membri del gruppo per la sua preferenza per i temi popolari e per l’armonia, la plasticità e la natura generalizzata dei suoi dipinti.
Nel 1914-1917, Zinaida Serebriakova era nel fiore degli anni. In questi anni ha prodotto una serie di immagini sul tema della vita rurale russa, il lavoro dei contadini e la campagna russa che le era tanto cara:
La più importante di queste opere fu Bleaching Cloth (1917)

Bleaching Cloth

che rivelò il sorprendente talento di Zinaida Serebriakova come artista monumentale. Le figure delle contadine, ritratte sullo sfondo del cielo, acquistano maestà e potenza in virtù dell’orizzonte basso.
Allo scoppio della Rivoluzione d’ Ottobre nel 1917, Serebriakova si trovava nella tenuta di famiglia di Neskuchnoye e improvvisamente tutta la sua vita cambiò. Nel 1919 suo marito Boris morì di tifo contratto nelle carceri bolsceviche . È rimasta senza reddito, responsabile dei suoi quattro figli e della madre malata. Tutte le riserve di Neskuchnoye erano state saccheggiate, quindi la famiglia soffriva la fame. Ha dovuto rinunciare alla pittura a olio a favore delle tecniche meno costose del carboncino e della matita. Questo è stato il periodo del suo dipinto più tragico, House of Cards , che raffigura i loro quattro figli orfani

House of Cards

Nell’autunno del 1924, Serebriakova andò a Parigi, dopo aver ricevuto una commissione per un grande murale decorativo. Al termine di questo lavoro, intendeva tornare in Unione Sovietica , dove rimasero sua madre ei quattro figli. Tuttavia, non fu in grado di tornare, e sebbene fosse in grado di portare i suoi figli più piccoli, Alexandre e Catherine, a Parigi rispettivamente nel 1926 e nel 1928, non poteva fare lo stesso per i suoi due figli più grandi, Evgenyi e Tatiana, e lo fece Non li rivedrò più da molti anni.

Dopo questo, Zinaida Serebriakova ha viaggiato molto. Nel 1928 e nel 1930 si recò in Africa, visitando il Marocco . Era affascinata dai paesaggi dell’Africa settentrionale e dipingeva le montagne dell’Atlante , così come le donne arabe e gli africani in abiti etnici. Ha anche dipinto un ciclo dedicato ai pescatori bretoni . La caratteristica saliente dei suoi successivi paesaggi e ritratti è la personalità stessa dell’artista: il suo amore per la bellezza, sia nella natura che nelle persone.
Nel 1947, Serebriakova finalmente ha preso la cittadinanza francese, Zinaida Serebriakova muore a Parigi il 19 settembre 1967, all’età di 82 anni. È sepolta a Parigi, nel cimitero russo di Sainte-Geneviève-des-Boi

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Giovanni Fattori o della pittura a macchia

Giovanni Fattori
1825-1908

Giovanni Fattori, è l’esponente più importante dei macchiaioli (corrente di pittori precursori dell’impressionismo di cui fecero parte anche Silvestro Lega e Telemaco Signorini).
Nato a Livorno nel 1825 prese parte alle battaglie per l’Unità d’Italia collaborando con il Partito d’Azione.
Trasferitosi a Firenze si iscrisse all’Accademia di Belle Arti ed iniziò a frequentare il gruppo del Caffè Michelangelo, ritrovo di artisti.
La sua pittura andò sempre più semplificandosi ed arrivò ad un nuovo modo di esprimere la luce giungendo a quell’effetto di macchia che caratterizza il nome del gruppo di cui fece parte (macchiaioli) con rapidi e piccoli abbozzi attraverso poche, essenziali, macchie di colore. Andò inoltre sempre più discostandosi dalle forme accademiche per cercare di rendere una rappresentazione reale dei soggetti, orientandosi verso gli umili aspetti della vita quotidiana – personaggi, animali, scene di vita rustica, ecc.
Questo nuovo modo di dipingere fu uno degli argomenti più discussi dagli artisti che si riunivano al Caffè Michelangelo.
Dipinse vari soggetti di carattere risorgimentale. In essi sono raffigurate battaglie o, a volte, solo dei soldati che segnano con la loro presenza i paesaggi italiani. In queste opere Fattori non vuole porre l’attenzione sui valori eroici della guerra, ma sulla tragica realtà di una battaglia fatta soprattutto di morti e feriti.

il dipinto “In vedetta”, noto anche come “Il muro bianco”, è costituito da pochi elementi: su un muro bianco (elemento che comparirà frequentemente nelle opere di Fattori), in diagonale, si stampa l’ombra scura di un soldato a cavallo; poco più indietro, altri due soldati stanno di vedetta. Null’altro che questo e una piana chiara di terra arida, lontana, bruciata dal sole.
Esprime sinteticità e profondità. Il soggetto militare è reso quasi astratto dall’abbagliante luce solare.
L’impressione è di una grande staticità e immobilità, sia degli elementi naturali che delle figure.

Sceglie inoltre temi di rappresentazione del paesaggio, la Maremma e la vita campestre. La maremma toscana, di cui lui era originario, divenne uno dei soggetti preferiti.
Paesaggi segnati da grande essenzialità, colore disteso in modo omogeneo. I soggetti vengono definiti in modo sintetico.

La rotonda dei bagni Palmieri
La rotonda dei bagni Palmieri, tavola di piccole dimensioni, è una delle opere più famose del pittore. La scena è ambientata in uno stabilimento balneare (bagni Palmieri), sul lungomare di Livorno, e ritrae un gruppo di signore, probabilmente borghesi, all’ombra di un tendone giallo ocra. Ogni donna è colta in un diverso atteggiamento. Il quadro può essere suddiviso in fasce orizzontali, partendo dal basso:
La spiaggia;
L’azzurro intenso del mare;
lo scorcio scuro delle colline sullo sfondo;
il cielo di un azzurro pallido;
il giallo del tendone.
Il pittore fa uso di poche tonalità di colore e si basa su di una ristretta gamma di colori, creando un gioco di contrasti tra toni chiari e scuri. Nonostante ogni cosa sia rappresentata da macchie di colore ed i volti siano privi di lineamenti le figure si stagliano in maniera netta e definita e risaltano in contrasto allo sfondo costituito da un cielo chiarissimo.
Fattori utilizza una tavola di formato orizzontale allungato per sottolineare la profonda vastità dell’orizzonte. Il paesaggio è appena accennato.

Fattori morì a Firenze il 30 Agosto del 1908.

seguendo i tratti distintivi della pittura macchiaiola Fattori rinnega il tradizionale chiaroscuro per definire i volumi e le distanze e, impiegando pennellate larghe e piatte, accosta più macchie di colori puri di tonalità diversa non mischiati fra loro. La sua pennellata è tipicamente macchiaiola: stesura a pennellate veloci, corte e accostate.
Le opere con maggiori impasto in genere corrispondono a quelle di dimensioni limitate, in modo particolarmente accentuato le tavolette; in questo caso la stesura pittorica è condotta con una straordinaria fermezza e sicurezza di mano.
I colori sono applicati direttamente sulla superficie del legno senza alcuna preparazione. Fattori spesso lascia trasparire le venature del colore stesso del legno sfruttando questo elemento per ottenere l’effetto desiderato.
Il colore è utilizzato senza uso di diluenti e applicato al supporto così come esce dal tubetto. Pur non esistendo una preparazioni vera e propria le tavolette del pittore sono spesso trattate con un leggero strato di colletta che riduce la porosità e assorbenza del legno.
Le analisi scientifiche hanno appurato l’uso di miscele complesse di una grande varietà di pigmenti tradizionali e sintetici: bianco al piombo, bianco di zinco, ocra rossa, cinabro, vermiglione, blu di Prussia, giallo ocra e giallo Napoli, giallo cromo, giallo cadmio e giallo zinco sperimentando nuove e peculiari miscele di pigmenti.

Per meglio afferrare la tonalità del chiaroscuro i macchiaioli usavano spesso uno specchio annerito dal fumo, “ton Gris”, che esaltava i contrasti dell’immagine in esso riflessa.
Nonostante che il risultato fosse simile a un abbozzo, piuttosto che a un quadro finito, l’impressione del vero catturata dai macchiaioli è pur sempre realista, lontana pertanto da quella impressionista che aveva peraltro del tutto abolito l’uso del nero.

I macchiaioli rifiutarono sì l’uso di linee decise per contornare i propri soggetti, ma in realtà, l’aborrito disegno, cacciato dalla porta come artificiosa circoscrizione dei corpi, rientrava dalla finestra come limite invisibile delle “ macchie “.

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