Alice Bailly dal cubismo alla pittura con la lana

Alice Bailly
svizzera 1872 – 1938

è stata una pittrice svizzera , nota per le sue interpretazioni del cubismo, fauvismo, e dei suoi dipinti di lana e la sua partecipazione al movimento Dada
nel 1906, Bailly si era stabilita a Parigi dove fece amicizia con Juan Gris, Francis Picabia e Marie Laurencin, pittori modernisti d’avanguardia che influenzarono le sue opere e la sua vita successiva.
Bailly è nata a Ginevra, in Svizzera, dove ha frequentato l’École des Beaux-Arts e ha seguito corsi per sole donne.
Durante la sua permanenza lì ha studiato con Hugues Bovy e Denise Sarkiss. Successivamente ha studiato a Monaco di Baviera, in Germania.
Mentre era a Parigi per esporre le sue incisioni su legno, si interessò al fauvismo. Ciò che ha attirato Bailly al fauvismo è stato “ l’uso audace dello stile di colori intensi, contorni scuri e anatomia e spazio decisamente irrealistici “. I suoi dipinti in questo stile furono infine esposti al Salon d’Automne nel 1908 insieme a molti altri illustri pittori Fauv.
Nel 1912, il lavoro di Bailly fu scelto per rappresentare gli artisti svizzeri in una mostra che attraversò la Russia, l’Inghilterra e la Spagna. Successivamente, si è immersa nell’estetica futuristica e nell’avanguardia. All’inizio della prima guerra mondiale, Bailly tornò nel suo paese natale, la Svizzera, e inventò i suoi caratteristici ” dipinti di lana “, che erano le sue varianti del cubismo.
Lo stile consisteva in brevi fili di filo colorato che fungevano da pennellate.
Ha realizzato circa 50 di questi dipinti di lana tra il 1913 e il 1922.

Durante la prima guerra mondiale si verificò il fenomeno Dada, in cui Bailly fu brevemente coinvolto. Il movimento, iniziato in Svizzera, consisteva in una varietà di forme d’arte e mirava a provocare reazioni violente nei suoi spettatori, non per compiacere gli occhi del pubblico.
Molti credono che le performances di arte moderna siano derivate da questo movimento.
Nel 1923 si trasferì a Losanna e vi rimase per il resto della vita. Le fu commissionato di dipingere otto larghi murales per il foyer del Teatro di Losanna nel 1936. Questa attività la portò ad una stanchezza tale che avrebbe contribuito alla tubercolosi, malattia che le procurò la morte nel 1938.
La sua volontà finale fu che i proventi della vendita della sua arte fossero utilizzati per stabilire un fondo fiduciario per aiutare giovani artisti svizzeri

Gabriële Buffet o “il cervello erotico” dice Francis Picabia

prima di parlare di Francis Picabia, uno dei massimi espionnenti del Gruppo di Puteauz, penso si debba parlare di sua moglie Gabriële Buffet, che fu senza troppo apparire uno dei personaggi che hanno fatto la storia e la differenza di quel periodo storico ed artistico. Musicista, moglie di Francis Picabia, amante di Marcel Duchamp e amica di Guillaume Apollinaire, Gabriële Buffet aveva un dono: quello di scoprire i geni e di essere al loro servizio. Questa donna d’avanguardia ha svolto un ruolo centrale nella storia dell’arte dei primi del 20 ° secolo. Tuttavia, è rimasta nell’ombra per molto tempo.

Le sue pronipoti, Anne e Claire Berest, le dedicano un libro. Per ricostruire meglio una storia familiare dolorosa e sconosciuta. E metti fine al silenzio.
Gabriële Buffet-Picabia è stata una delle poche donne a studiare alla Schola di Berlino. Questa talentuosa musicista, attaccata alla sua indipendenza – non voleva sposarsi o avere figli – ha deciso dall’oggi al domani di rinunciare ai suoi sogni. Siamo nel 1908; Gabriële ha 27 anni. Ha appena incontrato Francis Picabia. Diventerà il cervello della sua pittura e lo guiderà verso l’astrazione.
Perché Gabriële Buffet-Picabia aveva un dono: quello di riconoscere il talento! Igor Stravinksi, Jean Arp, Francis Picabia, Marcel Duchamp che ha conosciuto quando aveva solo 24 anni, o Elsa Schiaparelli, che ha incontrato su una nave diretta a New York e alla quale ha presentato il couturier Poiret… Tutti gli devono molto! Era una regina. E anche un re. Jean Arp ha scritto questa bellissima definizione di Gabriële: “Gabrielle è un re. Gabrielle è una regina. Ama la magia. Anche intrappolato nella tela di un ragno, rimane limpido come la luce del giorno ”.Ha svolto un ruolo centrale nella storia dell’arte. Eppure Gabriële Buffet è una di quelle rare persone che si ritira dalla storia, per farsi da parte minimizzando il suo ruolo con gli artisti.
Ma Gabriële non si è mai sentita di fare sacrifici. Era una donna libera e indipendente. “Ero come un uomo. Non volevo limitare la mia vita. Ho sempre vissuto la mia vita da avventuriero, concedendomi cose che gli altri non fanno. Mi sarebbe piaciuto viaggiare molto di più. A volte ero frustrato per non avere le avventure che volevo vivere, quindi ho avuto avventure all’interno dei rapporti che avevo con le persone. “
Una cosa rimane però un mistero tra i Picabia: il rapporto con i loro figli. Gabriële e Francis avevano quattro figli affidati a loro volta a tate, parenti o mandati in collegio. Insomma, bambini ingombranti a cui si interessavano poco! Vincente, il più giovane, si è suicidato a 27 anni, lasciando una bambina, Lélia Picabia, che ha tracciato una linea su questa dolorosa storia familiare. Nonostante questo nome prestigioso, Anne e Claire Berest, le sue figlie, scoprirono tardi di essere le pronipoti di Gabriële. Hanno deciso di tornare indietro nel tempo per comprendere meglio la loro storia dedicando un libro a Gabriële Buffet-Picabia. Una donna brillante e moderna con una vita romantica e un destino straordinario!

Gabriële avrebbe potuto essere una grande artista, una musicista che aveva studiato composizione a Parigi e poi a Berlino, dove fece amicizia con Edgard Varèse. Ma un incontro, una sconvolgente storia d’amore cambierà il corso della sua esistenza. Nel 1908 incontrò Francis Picabia e abbandonò immediatamente il pianoforte e gli spartiti per una vita di follia surrealista. “Stare con lui è un progetto in sé. Una creazione di tutti i giorni ” .
Da quel momento in poi accompagnerà il fantastico viaggio e la creazione sfrenata di Picabia. Più che una musa, consiglia, condivide le sue intuizioni, interviene per guidare la ricerca del pittore postimpressionista. Per lei, ecco un giovane che fa vecchie pitture. Appassionata di musica d’avanguardia, lo spinge verso l’astrazione, guidandolo nella sua ricerca di un nuovo linguaggio artistico. Picabia, artista di successo celebrato per i suoi paesaggi normanni, abbandona una chiara carriera e intraprende insieme a lui un’avventura artistica fondamentale. I colori diventano come note musicali, non vengono più usati per trascrivere la realtà. Partecipò all’invenzione dell’astrazione, frequentò i cubisti del gruppo Puteaux, poi, con 391,annuncia Dada a cui parteciperà attivamente. Gabriële incontra il bel Marcel Duchamp che diventerà un alter ego per Picabia. Lei sa istintivamente che i due uomini dovrebbero andare d’accordo. “Condividono il gusto per le icone che si spezzano, per l’arte dell’ironia e per l’ironia dell’arte, per gli scherzi in ogni circostanza e per la morte di Dio” . Insieme formano uno strano trio in cui si intersecano relazioni amichevoli, romantiche e artistiche, lontane dai canoni piccolo borghesi dell’epoca.
Una galleria di personaggi, tutti accuratamente abbozzati, accompagna gli amanti, Arthur Cravan, Isadora Duncan, Alfred Stieglitz, Elsa Schiaparelli, Tristan Tzara, Jean Arp, Henri-Pierre Roché, poi Germaine Everling, l’amante di Picabia per la quale lascerà Gabriële. . Negli anni ’10, poi durante la prima guerra mondiale che fa a pezzi l’Europa ma a cui non importa, tutta questa gioiosa colonia pensa solo alla creazione, ai viaggi a tamburo nelle tante macchine di Picabia, non si cura dei confini, nazionalismo e soprattutto partito, anche se in testa c’è il loro amico Guillaume Apollinaire, anima gemella di Gabriële. “Il denaro, secondo lui, è fatto per essere bevuto, speso, mangiato, buttato dalle finestre del piacere”. Tra Parigi, New York, Cassis, Barcellona o Zurigo, il racconto vorticoso delle sorelle Berest collega provocazioni, periodi di creazione e depressione, feste di piacere e cadute libere. Poiché il carattere di Picabia, un grande amante dell’oppio, è mutevole, non diciamo ancora bipolare. E se Gabriële è un’ispiratrice, una “donna dal cervello erotico” come la definiva il maruto, che mette in ginocchio tutti gli uomini che incontra, è anche quella che permette alla formidabile macchina intellettuale Picabia di correre a tutta velocità, a sua volta manager, performer. e infermiera.

Jean Metzinger dalla geeometria al cubismo (gruppo di Puteaux)

Jean Metzinger
francese 1883 – 1956

è stato un artista, pittore, teorico, scrittore e poeta francese. I suoi primi lavori, dal 1902 al 1904, furono influenzati dal neoimpressionismo di Georges Seurat e Henri Edmond Cross, tra il 1904 e il 1907 Metzinger ha lavorato negli stili divisionista e fauve,

ma dal 1908 fu direttamente coinvolto nel cubismo; sia come artista principale che come teorico principale, Metzinger, dopo Picasso e Braque, è stato cronologicamente il terzo pittore cubista, fu membro fondatore del gruppo di artisti della Section d’Or e, insieme ad Albert Gleizes, scrisse il primo grande trattato sul cubismo nel 1912
Metzinger fu per molti versi un esemplare avanguardista: intellettualmente acuto, assetato di originalità, culturalmente elitario e ambizioso. Verrà dimostrato che questi vari fattori, uniti ai suoi primi interessi per la matematica (soprattutto la geometria), hanno spinto il nuovo approccio visibile non solo nelle sue opere cubiste, ma nelle sue prime opere e in quelle successive al periodo cubista (dopo il 1919). È meglio conosciuto per i suoi contributi all’arte moderna come membro del movimento cubista; meno noto per i suoi contributi all’arte moderna prima dello sviluppo del cubismo.
Seguendo i dipinti meccanizzati della fine degli anni ’20, fino alla sua morte nel 1956, Metzinger si rivolse a un approccio più classico alla pittura con elementi di surrealismo e cubismo; evidentemente l’artista era ancora interessato a questioni di forma, volume, dimensione, posizione relativa e relazione tra gli elementi, insieme alle proprietà geometriche eteree dello spazio.
Dopo il periodo neoimpressionista, divisionista e fauve (dal 1903 al 1907 circa) fino all’anno della sua morte nel 1956, Metzinger ha lavorato in stile cubista con deviazioni epocali in forme geometricamente sperimentali di classicismo, e altrimenti, a differenza di altri del suo entourage, mai ha scoperto che il cubismo non ha soddisfatto le sue esigenze artistiche.

sì arriva dal 1920 al suo periodo postcubista

Section d’Or o Puteaux Group

Albert Gleizes o della pittura e della teoria (gruppo di Puteaux)

Albert Gleizes o della pittura e della teoria (gruppo di Puteaux)

Albert Gleizes
francese 1881 – 1953

è stato un artista francese, teorico, filosofo, e si è autoproclamato fondatore del cubismo e assieme a Jean Metzinger scrisse il primo grande trattato sul cubismo, Du “Cubisme” , 1912
Gleizes fu uno dei membri fondatori del gruppo di artisti della Section d’Or o Gruppo di Puteaux, era anche un membro di Der Sturm , e i suoi numerosi scritti teorici erano originariamente più apprezzati in Germania, dove soprattutto al Bauhaus le sue idee furono prese in grande considerazione
Gleizes ha trascorso quattro anni cruciali a New York e ha svolto un ruolo importante nel rendere l’America consapevole dell’arte moderna , era un membro della Society of Independent Artists , fondatore dell’Associazione Ernest-Renan, nonché fondatore e partecipante dell’Abbaye de Créteil
Gleizes esposte regolarmente a Léonce Rosenberg s’ Galerie de l’Effort Moderne di Parigi; è stato anche fondatore, organizzatore e direttore di Abstraction-Création . Dalla metà degli anni ’20 alla fine degli anni ’30 gran parte della sua energia è andata alla scrittura, ad esempio La Peinture et ses lois (Parigi, 1923),Vers une conscience plastique: La Forme et l’histoire (Parigi, 1932) e Homocentrisme (Sablons, 1937)

era figlio di un designer di tessuti che gestiva un grande laboratorio di design industriale, era anche il nipote di Léon Comerre , un ritrattista di successo che vinse il Prix ​​de Rome del 1875
il giovane Albert Gleizes non amava la scuola e spesso saltava le lezioni per passare il tempo a scrivere poesie e girovagare per il vicino cimitero di Montmartre . Infine, dopo aver completato la scuola secondaria, Gleizes ha trascorso quattro anni nel 72 ° reggimento di fanteria dell’esercito francese (Abbeville, Picardie), quindi ha iniziato a intraprendere la carriera di pittore
iniziò a dipingere da autodidatta intorno al 1901 nella tradizione impressionista, i suoi primi paesaggi da Courbevoie appaiono particolarmente ispirati da Alfred Sisley o Camille Pissarro
Gleizes aveva solo ventun anni quando la sua opera intitolata La Seine à Asnières fu esposta alla Société Nationale des Beaux-Arts nel 1902.
passa attraverso diverse fasi per giungere poi al cubismo, Daniel Robbins scrive:”Nei dipinti di Gleizes vediamo l’approccio volumetrico dell’artista al cubismo e la sua riuscita unione di un ampio campo visivo con un piano pittorico piatto. Lo sforzo di cogliere i ritmi intricati di un panorama ha portato a una geometria completa di intersezioni e sovrapposizioni di forme che creavano una nuova e più dinamica qualità di movimento “

In Du “Cubisme” Gleizes e Metzinger scrissero: “Se volessimo mettere in relazione lo spazio dei pittori cubisti con la geometria, dovremmo riferirlo ai matematici non euclidei; dovremmo studiare, a lungo, alcuni dei teoremi di Riemann . “
Il cubismo stesso, quindi, non era basato su alcuna teoria geometrica, ma corrispondeva meglio alla geometria non euclidea rispetto alla geometria classica o euclidea, l’essenziale era nella comprensione dello spazio diversa dal metodo classico della prospettiva; una comprensione che includerebbe e integrerebbe la quarta dimensione
Il cubismo, con la sua nuova geometria, il suo dinamismo e la prospettiva multipla di punti di vista, non solo rappresentò un allontanamento dal modello di Euclide, ma ottenne, secondo Gleizes e Metzinger, una migliore rappresentazione del mondo reale che era mobile e mutevole al tempo stesso, per Gleizes, il cubismo rappresentava una ” normale evoluzione di un’arte che era mobile come la vita stessa “
contrariamente a Picasso e Braque, l’intento di Gleizes non era quello di analizzare e descrivere la realtà visiva. Gleizes aveva sostenuto che non possiamo conoscere il mondo esterno, possiamo solo conoscere le nostre sensazioni, gli oggetti della vita quotidiana – chitarra, pipa o cesto di frutta – non soddisfacevano i suoi complessi concetti idealistici del mondo fisico
I suoi soggetti erano di vasta scala e di provocatorio significato sociale e culturale. L’iconografia di Gleizes (a partire da Delaunay, Le Fauconnier e Léger) aiuta a spiegare perché nel suo lavoro non c’è un periodo corrispondente al cubismo analitico e come sia stato possibile per Gleizes diventare un pittore astratto, più teoricamente in sintonia con Kandinsky e Mondrian di Picasso e Braque, che sono rimasti associati alla realtà visiva
pn La Peinture et ses lois scrive Robbins, “Gleizes ha dedotto le regole della pittura dal piano pittorico, le sue proporzioni, il movimento dell’occhio umano e le leggi dell’universo. Questa teoria, in seguito denominata rotazione-traslazione , si colloca con gli scritti di Mondrian e Malevich come una delle più complete esposizioni dei principi dell’arte astratta, che nel suo caso comportava il rifiuto non solo della rappresentazione ma anche delle forme geometriche “
I piani piatti sono stati messi in moto simultaneamente per evocare lo spazio spostandosi l’uno sull’altro, come se ruotassero e si inclinassero su assi obliqui, per illustrare il concetto sono stati pubblicati diagrammi intitolati ” Movimenti simultanei di rotazione e spostamento del piano sul suo asse “
Gleizes ha continuato anche dopo che il gruppo si era sciolto e dopo la fine della prima guerra mondiale a scrivere e scrivere dell’arte astratta e anche a dipingere

Section d’Or o Puteaux Group

Robert Delaunay o del cubismo orfico

Robert Delaunay
francese 1885 – 1941

con il termine “cubismo orfico” o orfismo il poeta e critico francese Guillaume Apollinaire definì lo stile pittorico di Robert Delaunay che approdò, mediante la scomposizione prismatica del colore, all’astrazione della forma. La ricerca di Delaunay verso una pittura “pura”, basata sul movimento e sulla luce, passò dalle fondamentali opere del periodo sperimentale (Cattedrale di Saint-Séverin

e La Torre Eiffel, 1910-11, Filadelfia, Museum of Art)

a quelle più propriamente orfiche: la serie di Finestre simultanee

(1911, Parigi, collezione privata; 1912, New York, Guggenheim Museum) e il primo Disco simultaneo

(1913, New York, Museum of Modern Art) in cui il colore dissolve i volumi in sequenze di ritmi cromatici e in un vorticoso e geometrizzante turbinio. Sensibili alla ricerca astratta dell’orfismo furono anche gli artisti del Blaue Reiter, in particolare P. Klee, e Marcel Duchamp, che, superando il cubismo, approdò a una composizione dinamica in cui il mezzo cromatico ha la preminenza sulla forma. Robert Delaunay nacque a Parigi, figlio di George Delaunay e della contessa Berthe Félicie de Rose, quando era ancora molto giovane i genitori divorziarono e lo affidarono alle cure della zia materna, Marie, e del marito Charles Damour, che vivevano a La Ronchère a pochi chilometri da Bourges.
cominciò a dipingere in giovane età, adottando, per l’ammirazione nutrita nei confronti di Paul Gauguin, di Georges-Pierre Seurat e dei fauves, una tecnica post-impressionista.
a partire dal 1908, risentendo dell’influenza di Paul Cézanne e del cubismo, si indirizzò verso il rigore formale e verso una ricerca analitica sul colore in relazione alla moltiplicazione dei piani luminosi, di cui sono evidenti i risultati nelle serie di dipinti di intonazione modernista del periodo.
a partire dal 1909, Delaunay cominciò a dipingere le serie della città di Parigi e della Torre Eiffel, in cui l’interesse si spostò gradualmente dalla scomposizione dei volumi, propria del cubismo analitico, alla scomposizione del colore e allo studio del movimento; in questa evoluzione, alcuni critici riconoscono l’influenza del futurismo.
nel 1910 sposò Sonia Terk, una pittrice di origine ucraina conosciuta nel 1908. Su invito di Vasilij Kandinskij, nel 1911 Delaunay si avvicinò al gruppo Der Blaue Reiter,: sotto l’influenza di Paul Klee, la sua arte si volse con sempre maggior decisione verso l’arte astratta.
intorno al 1912, Delaunay si allontanò dall’ortodossia del cubismo e, insieme alla moglie Sonia, creò all’interno del movimento cubista la corrente che Guillaume Apollinaire definì orfismo (termine che deriva da Orfeo, mitico musico della mitologia greca) per l’intima natura musicale, in cui le scomposizioni del colore con i loro effetti di compenetrazione, di simultaneità, di dinamismo, acquistano un valore autonomo, indipendente dagli oggetti rappresentati.
nelle prime opere di questo periodo sono presenti oggetti reali, anche se filtrati attraverso i colori iridescenti della luce, mentre i dipinti successivi sfociano in una pittura del tutto astratta, basata sull’espressività dei colori puri che infondono una vibrazione ritmica alla superficie pittorica. La geometria cubista è così resa sensibile e viva dal colore e l’artista trova una sintesi armoniosa tra rigore strutturale ed evasione lirica.
realizzò quindi dipinti astratti in cui i piani si sfaccettano moltiplicandosi nei colori dello spettro e ruotando in vortici luminosi. Nel 1913 Delaunay, insieme alla moglie, trascorre l’estate a Louveciennes, dove riesce a sperimentare su di sé precise sensazioni legate ai colori, osservando direttamente l’abbagliante luce solare e cercando di fissare sulla tela le immagini che persistevano nella sua mente una volta chiusi gli occhi. Alla ricerca di una pittura pura, permeata di luce e vibrata di “contrasti cromatici simultanei” assume la luce come elemento pittorico fondamentale, e le sue prime opere non figurative ebbero soprattutto il significato e il valore di esperienze di ordine tecnico, in funzione di tale ricerca. l’unità di base della sua pittura diventa il disco: simbolo non solo di luce, ma anche del Sole, realizzando così varie tele intitolate Contrasti simultanei e Forme circolari (1912-1931), composizioni raffiguranti un ritmico vortice cromatico, che schiarisce progressivamente man mano che ci si avvicina al centro del dipinto, dove i colori finiscono per fondersi in un bianco che pervade tutto.
autioritratto

dopo il 1914 Delaunay tornò a temi figurativi, sempre trasfigurandoli nel dinamismo del colore, non trovando però accenti di originalità e intensità poetica simili agli anni precedenti.
allo scoppio della Seconda guerra mondiale, i Delaunay si allontanarono da Parigi, nel tentativo di evitare l’invasore tedesco.
Delaunay morì di cancro il 25 ottobre 1941 a Montpellier.

Marie Laurencin o della “Section d’Or” (“Groupe de Puteaux”)

Marie Laurencin
francese 1883 – 1956

devo premettere che mi piace molto Marie per come ha trattato il colore, i suoi quadri sono nuvole e hanno un chè di magico che incanta, e sopratutto pur facendo parte di un gruppo di avanguardia ha sempre continuato la sua ricerca personale senza perdere mai di vista il suo obiettivo
divenne una figura importante dell’avanguardia parigina come membro dei Cubisti associati alla “Section d’Or” o “Groupe de Puteaux”*****
Laurencin è nata a Parigi, dove è stata cresciuta da sua madre e dove ha vissuto gran parte della sua vita. A 18 anni studia pittura su porcellana a Sèvres. Poi è tornata a Parigi e ha continuato la sua formazione artistica all’Académie Humbert, dove ha cambiato la sua attenzione verso la pittura ad olio.
durante i primi anni del XX secolo, Laurencin è stata una figura importante nel mondo parigino d’avanguardia. Un membro sia del circolo di Pablo Picasso e sia dei cubisti associati alla Section d’Or, come Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier e Francis Picabia, ed espone con loro al Salon des Indépendants (1910-1911) e al Salon d’Automne (1911-1912).
È stata sentimentalmente coinvolta con il poeta Guillaume Apollinaire ed è stata spesso identificata come la sua musa ispiratrice. Inoltre, Laurencin aveva legami importanti con il salone dell’ americana e famosa scrittrice Natalie Clifford Barney, con la quale ebbe una relazione
durante la prima guerra mondiale, Laurencin lasciò la Francia per l’esilio in Spagna con il marito di origine tedesca, il barone Otto von Waëtjen, poiché a causa del suo matrimonio aveva automaticamente perso la cittadinanza francese. La coppia ha successivamente vissuto insieme brevemente a Düsseldorf. Dopo aver divorziato nel 1920, è tornata a Parigi, dove ha raggiunto il successo finanziario come artista fino alla depressione economica degli anni ’30. Negli anni ’30 ha lavorato come insegnante d’arte in una scuola privata. Ha vissuto a Parigi fino alla sua morte.
le opere di Laurencin includono dipinti, acquerelli, disegni e stampe. È conosciuta come una delle poche donne pittrici Cubiste , con Sonia Delaunay, Marie Vorobieffe Franciska Clausen. Mentre il suo lavoro mostra l’influenza di Pablo Picasso e Georges Braque, che era il suo caro amico, ha sviluppato un approccio unico all’astrazione spesso incentrato sulla rappresentazione di gruppi di donne e ritratti femminili.
Il suo lavoro è al di fuori dei confini delle norme del Cubismo, la sua è una ricerca di un’estetica specificamente femminile attraverso il suo uso di colori pastello e forme curvilinee.
Originariamente influenzata dal fauvismo, ha semplificato le sue forme attraverso l’influenza dei pittori cubisti. Dal 1910, la sua tavolozza consisteva principalmente nei toni di grigio, rosa e pastello.
Il suo stile distintivo si è sviluppato al suo ritorno a Parigi negli anni ’20 dopo l’esilio. I colori tenui e i motivi geometrici ereditati dal cubismo sono stati sostituiti da toni chiari e composizioni ondulate. Il suo motivo distintivo è caratterizzato da figure femminili flessuose ed eteree e una tavolozza di tenui colori pastello, che evocano un mondo incantato.
Laurencin ha continuato a esplorare i temi della femminilità e di ciò che considerava modi di rappresentazione femminili fino alla sua morte. Le sue opere includono dipinti, acquerelli, disegni e stampe.

*****La Section d’Or nota anche come Groupe de Puteaux , fu un’associazione di pittori e critici d’arte associati ad un ramo del cubismo noto come orfismo (un termine coniato dal poeta francese Guillaume Apollinaire). Con sede nel sobborgo parigino di Puteaux, fu attiva dal 1912 a circa il 1914, arrivando alla ribalta sulla scia della loro partecipazione al controverso Salon des Indépendants nella primavera del 1911.