Ivan Aivazovsky o delle marine

Ivan Aivazovsky
armeno 1817 – 1900

Ivan Konstantinovich Aivazovsky è nato nella famiglia di un commerciante di origine armena, nella città di Feodosia, Crimea, i suoi genitori erano in una situazione molto precaria e la sua infanzia la trascorse nella povertà assoluta
con l’aiuto di persone che avevano notato il suo talento ha potuto iscriversi al Simpheropol gymnasium e successivamente alla St. Petersburg Academy of Arts, dove ha frequentato il corso di pittura del paesaggio ed era particolarmente interessato nei paesaggi marini..
il successo di Aivazovsky è stato tutto guadagnato, dato che pochi artisti come lui sono stati riusciti a narrare la luminosità profonda dei colori del mare, gli “aspetti” e i cambianti del mare il tutto con apparente semplicità e facilità..
Aivazovsky non era un pittore “marino professionista”, ha conosciuto il mare e lo amava profondamente, anche se occasionalmente dipingeva altre forme, paesaggi o ritratti, questi erano soltanto brevi momenti in cui si allontanava dal suo genere scelto e preferito e a cui è rimasto fedele tutta la sua vita: il mare
è sorprendente scoprire gli elementi romantici “in anticipo” nelle” tele di Aivazovsky, basti pensare alla scelta dei soggetti e come lui descrive i naufragi, le battaglie di mare e le tempeste. gli artisti principali del suo tempo hanno riconosciuto la padronanza ed il talento del Aivazovsky, durante un viaggio in Italia nel 1842 il pittore inglese Joseph Mallord William Turner fu molto impressionato da un suo dipinto della baia di Napoli in una notte di luna piena e gli dedicò un eleogio in rima
si può dire che Aivazovsky ha continuato la tradizione dei grandi pittori russi di paesaggi del diciannovesimo secolo “in anticipo” senza far ricorso all’imitazione ma generando una nuova tradizione, una nuova scuola della pittura, così facendo ha lasciato la sua impronta nella pittura “marina” per la sua generazione e quelle successive…
pittore principalmente romantico, Aivazovsky ha utilizzato alcuni elementi realistici, Leek sostenne che Aivazovsky rimase fedele al romanticismo per tutta la vita, “anche se orientò il suo lavoro verso il genere realista”
I suoi primi lavori sono influenzati dai suoi insegnanti dell’Accademia delle Arti Maxim Vorobiev e Sylvester Shchedrin, pittori classici come Salvator Rosa , Jacob Isaacksz van Ruisdael e Claude Lorrain hanno contribuito al processo e allo stile individuale di Aivazovsky. I migliori dipinti di Aivazovsky negli anni 1840-1850 usavano una varietà di colori ed erano sia epici che romantici nel tema.
La netta transizione nell’arte russa dal romanticismo al realismo a metà del diciannovesimo secolo lasciò Aivazovsky, che avrebbe sempre mantenuto uno stile romantico, aperto alle critiche. Le ragioni proposte per la sua riluttanza o incapacità a cambiare cominciavano con la sua posizione; Feodosia era una città remota nell’enorme impero russo, lontana da Mosca e San Pietroburgo. La sua mentalità e la sua visione del mondo erano analogamente considerate antiquate e non corrispondevano agli sviluppi nell’arte e nella cultura russa.
Il lavoro successivo di Aivazovsky conteneva scene drammatiche e di solito veniva eseguito su scala più ampia. Ha rappresentato “la lotta romantica tra l’uomo e gli elementi nella forma del mare ( L’arcobaleno , 1873), e dei cosiddetti” marines blu “( Il Golfo di Napoli al mattino presto , 1897, Disastro , 1898) e paesaggi urbani ( Notte di luna sul Bosforo , 1894). ” ecc
oggi è considerato uno dei maggiori pittori di “marine”

TURNER o degli acquerelli

Venice, Moonrise 1840 Joseph Mallord William Turner

negli acqurelli di Turner credo ci sia qualcosa di magico nel modo in cui l’orizzonte si fonde con il cielo in un’impercettibile susseguirsi di sfumature delicate, frammentate da vigorose pennellate. ci dimostra che negli acquerelli si può essere liberi, si può lasciare che il pennello corra sul foglio interpretando le macchie di colore senza pretendere di controllare tutto.
se paragonati con gli oli impeccabili che produce negli stessi anni (e che vedremo dopo), ci rendiamo conto che esiste un abisso tra l’artista di corte, membro della prestigiosa Royal Academy of Arts, e il viaggiatore instancabile, l’uomo che non si accontenta mai di ciò che vede e insegue il mito romantico di solitario titano che si scontra contro i segreti della natura, riuscendo in molti casi ad uscirne vincitore.
quello che impressiona infatti è la grande semplicità e spontaneità di questi schizzi, caratteristica a cui noi siamo abituati ma che nel XIX secolo era davvero poco usuale, utilizzata in questi casi in viaggio, per produrre schizzi rapidi che hanno lo scopo di cogliere un’impressione, di fissare un’immagine e ancora di più un’atmosfera da tradurre in un quadro una volta di ritorno a Londra.
l’umidità impalpabile della nebbia, i bagliori di un incendio, i primi raggi dell’alba, gli ultimi del tramonto. Joseph Mallord William Turner, geniale artista londinese di primo Ottocento, è stato uno dei paesaggisti più originali e talentuosi di tutti tempi.
si aggirava con la sua scatola di colori, con i taccuini, nelle brughiere nebbiose, fra le rovine delle abbazie romaniche e attorno alle ville di mecenati immensamente ricchi.
talvolta quegli acquerelli sono davvero non finiti, gli servivano come bozzetti, per studio. ma è difficile, nel caso di Turner, fare distinzione con le opere compiute perfettamente, che oltretutto ritoccava fino all’ultimo, perfino quando erano già appese in mostra.
anche non finiti, i suoi schizzi lasciano senza parole, ogni sua opera vibra dall’interno, sprigiona una forza centrifuga, come dal centro della terra verso la nostra mente.
pittura visionaria? Forse. Astratta? Anche. Idealizzata? Pure. Indefinibile,

senza dubbio, ma immensamente amabile.Fu capace di percepire le infinite nuance dei fenomeni naturali, gli effetti sfumati della luce sul mare, sui fiumi, nella vastità della campagna e nelle vedute di città in lontananza, gli acquerelli che mostro sotto sono ruferiti all’Itlia , Venezia, Firenze, Roma

qui Turner o delle magiche visioni

Marie Laurencin o della “Section d’Or” (“Groupe de Puteaux”)

Marie Laurencin
francese 1883 – 1956

devo premettere che mi piace molto Marie per come ha trattato il colore, i suoi quadri sono nuvole e hanno un chè di magico che incanta, e sopratutto pur facendo parte di un gruppo di avanguardia ha sempre continuato la sua ricerca personale senza perdere mai di vista il suo obiettivo
divenne una figura importante dell’avanguardia parigina come membro dei Cubisti associati alla “Section d’Or” o “Groupe de Puteaux”*****
Laurencin è nata a Parigi, dove è stata cresciuta da sua madre e dove ha vissuto gran parte della sua vita. A 18 anni studia pittura su porcellana a Sèvres. Poi è tornata a Parigi e ha continuato la sua formazione artistica all’Académie Humbert, dove ha cambiato la sua attenzione verso la pittura ad olio.
durante i primi anni del XX secolo, Laurencin è stata una figura importante nel mondo parigino d’avanguardia. Un membro sia del circolo di Pablo Picasso e sia dei cubisti associati alla Section d’Or, come Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier e Francis Picabia, ed espone con loro al Salon des Indépendants (1910-1911) e al Salon d’Automne (1911-1912).
È stata sentimentalmente coinvolta con il poeta Guillaume Apollinaire ed è stata spesso identificata come la sua musa ispiratrice. Inoltre, Laurencin aveva legami importanti con il salone dell’ americana e famosa scrittrice Natalie Clifford Barney, con la quale ebbe una relazione
durante la prima guerra mondiale, Laurencin lasciò la Francia per l’esilio in Spagna con il marito di origine tedesca, il barone Otto von Waëtjen, poiché a causa del suo matrimonio aveva automaticamente perso la cittadinanza francese. La coppia ha successivamente vissuto insieme brevemente a Düsseldorf. Dopo aver divorziato nel 1920, è tornata a Parigi, dove ha raggiunto il successo finanziario come artista fino alla depressione economica degli anni ’30. Negli anni ’30 ha lavorato come insegnante d’arte in una scuola privata. Ha vissuto a Parigi fino alla sua morte.
le opere di Laurencin includono dipinti, acquerelli, disegni e stampe. È conosciuta come una delle poche donne pittrici Cubiste , con Sonia Delaunay, Marie Vorobieffe Franciska Clausen. Mentre il suo lavoro mostra l’influenza di Pablo Picasso e Georges Braque, che era il suo caro amico, ha sviluppato un approccio unico all’astrazione spesso incentrato sulla rappresentazione di gruppi di donne e ritratti femminili.
Il suo lavoro è al di fuori dei confini delle norme del Cubismo, la sua è una ricerca di un’estetica specificamente femminile attraverso il suo uso di colori pastello e forme curvilinee.
Originariamente influenzata dal fauvismo, ha semplificato le sue forme attraverso l’influenza dei pittori cubisti. Dal 1910, la sua tavolozza consisteva principalmente nei toni di grigio, rosa e pastello.
Il suo stile distintivo si è sviluppato al suo ritorno a Parigi negli anni ’20 dopo l’esilio. I colori tenui e i motivi geometrici ereditati dal cubismo sono stati sostituiti da toni chiari e composizioni ondulate. Il suo motivo distintivo è caratterizzato da figure femminili flessuose ed eteree e una tavolozza di tenui colori pastello, che evocano un mondo incantato.
Laurencin ha continuato a esplorare i temi della femminilità e di ciò che considerava modi di rappresentazione femminili fino alla sua morte. Le sue opere includono dipinti, acquerelli, disegni e stampe.

*****La Section d’Or nota anche come Groupe de Puteaux , fu un’associazione di pittori e critici d’arte associati ad un ramo del cubismo noto come orfismo (un termine coniato dal poeta francese Guillaume Apollinaire). Con sede nel sobborgo parigino di Puteaux, fu attiva dal 1912 a circa il 1914, arrivando alla ribalta sulla scia della loro partecipazione al controverso Salon des Indépendants nella primavera del 1911.

I Pittori di Skagen o dell’arte scandinava (quarta parte)

Krohg, Christian; “Albertine”, Kopenhagen, Statens Museum for Kunst.

QUI la prima parte, QUI la seconda parte, QUI la terza parte

Christian Krohg
norvegese 1852 – 1925

è un pittore norvegese molto famoso che si collegò con i pittori di Skagen che su incoraggiamento dell’artista Frits Thaulow visitò spesso
Ritornò a Skagen nel 1882-84 e nel 1888 ed influenzò altri artisti tra cui Anna e Michael Ancher
a me personalmente è molto simpatico, perchè fu anche scrittore, giornalista e naturalista, ebbe svariati interessi e nella sua pittura spesso affiorano
Christian Krohg è nato a Vestre Aker (ora Oslo), Norvegia, era uno dei cinque figli nati da Georg Anton Krohg e Sophie Amalia Holst e nipote di Christian Krohg (1777–1828) che aveva servito come ministro del governo. Suo padre era un impiegato statale, giornalista e scrittore. Sua madre morì quando lui aveva solo 8 anni e la sorella di suo padre si assunse la responsabilità della famiglia e dell’educazione dei bambini. Dal 1861 frequentò la Hartvig Nissen School
Suo padre gli aveva chiesto di intraprendere una carriera legale. Krohg ha studiato legge all’Università di Oslo (allora Christiania ) laureandosi. nel 1873, lo stesso anno in cui morì suo padre. Tra il 1869 e il 1870 aveva studiato anche alla scuola d’arte di Johan Fredrik Eckersberg a Lille Grensen a Christiania. Studiò anche in Germania, prima alla Baden School of Art di Karlsruhe sotto Hans Gude nel 1874. Si formò anche sotto Karl Gussow dal 1875. Ha seguito gli studi alla Königliche Akademie di Berlino dal 1875 al 1878.
Krohg lavorò a Parigi dal 1881 al 1882. Ispirato dalle idee dei realisti , scelse i motivi principalmente dalla vita di tutti i giorni, spesso i suoi lati più oscuri o socialmente inferiori. La prostituzione è il soggetto del suo dipinto Albertine , e

“Albertine”

Krohg ha anche scritto un romanzo sulla scena raffigurata. Il romanzo, Albertine , ha causato uno scandalo quando è stato pubblicato per la prima volta, ed è stato confiscato dalla polizia.
Lo stile di Krohg lo ha reso una figura di spicco nella transizione dal romanticismo al naturalismo .
Ci sono notevoli collezioni d’arte di Christian Krohg nel Museo Nazionale di Arte, Architettura e Design di Oslo e al Museo Skagens in Danimarca.

Thorvald Niss
danese 1842 – 1905

era un paesaggista danese che si interessò all’arte marina dopo essere diventato un membro dei pittori di Skagen
Nato ad Assens , era figlio di Niels Frederik Niss, un imbianchino, e di sua moglie Barbara Kirstine. Quando aveva 18 anni, divenne apprendista pittore a Copenaghen, dove cercò di sviluppare il suo talento artistico la sera. Dal 1861 frequentò la scuola serale presso la Royal Danish Academy e dal 1863 lavorò come decoratore presso la fabbrica di porcellane Royal Copenhagen . Alla fine degli anni ’70 del XIX secolo entrò in contatto con Otto Bache che lo invitò a lavorare nel suo studio dove conobbe le ultime tendenze della pittura francese. All’inizio degli anni ottanta dell’Ottocento era diventato un moderno paesaggista,paragonabile a Christian Zacho e Godfred Christensen
I tratti ampi e i colori forti che ha applicato ai suoi paesaggi autunnali e invernali gli hanno portato un ampio riconoscimento. Nel 1882, il suo Septemberdag i Jægersborg dyrehave gli valse una medaglia d’oro a Vienna e l’anno successivo un paesaggio invernale dei boschi di Folehaven fu acquistato dallo Statens Museum for Kunst , la galleria nazionale danese che gli conferì un più ampio riconoscimento. Grazie ad una borsa di viaggio, nel 1885 si recò in Italia e in Grecia, e nel 1889 a Parigi. Nel 1887, visitò Skagen dove divenne membro della colonia di artisti Lì dipinse il mare, adottando un nuovo approccio all’arte marina con il suo Morgengry (Daybreak) nel 1888 eStrandparti. Grenen nel 1889. Ha continuato a dipingere scene marine altrove,
in particolare del Mediterraneo. Negli anni ’90 dell’Ottocento usò sempre più l’acquaforte per le sue scene marine, alcune con sfumature simboliche.
Dopo aver sofferto per diversi anni di esaurimento nervoso, morì a Frederiksberg

Oscar Gustaf Björck
svedese 1860 – 1929

Nato a Stoccolma, dal 1877 al 1882, Björck fu uno studente di Edvard Perséus all’Accademia, nel 1883, Björck ottenne una borsa di studio di viaggio. Trascorse l’inverno 1883-84 a Parigi. L’inverno successivo, si recò a Monaco di Baviera dove dipinse alcuni ritratti, tra cui un dipinto a figura intera di sua moglie. Nella primavera del 1885 si trasferì a Venezia e, in autunno, a Roma dove dipinse il grande ritratto di Susanna ( Gothenburg Museum of Art )

e Romerska smeder (fabbri romani) ( Washington National Gallery of Art , Washington). Nel 1887, ha completato una serie di dipinti tra cui il Veneziansk saluhall (sala veneziana) ( Nationalmuseum of Sweden) e Lördagsmässa i Markuskyrkan (Messa del sabato nella chiesa di San Marco).
Björck fu incoraggiato ad andare a Skagen nel 1882 da PS Krøyer che aveva incontrato a Parigi e per il quale mostrò grande ammirazione. Si è subito affezionato alla comunità degli artisti lì, in particolare Michael Ancher , sua moglie Anna e Holger Drachmann . Non era solo il paesaggio di Skagen ad attrarlo, ma anche il calore e l’ospitalità degli artisti stessi. Björck trascorse lì diverse estati, completando alcuni dei suoi migliori dipinti sotto l’influenza di Krøyer e del movimento naturalista francese
Dopo soggiorni estivi a Skagen in Danimarca nel 1882, 1883 e 1884, si stabilì finalmente a Stoccolma nel 1888, dove si concentrò sui ritratti. Questi includono molti del re Oscar (tra cui uno al castello di Skokloster , un intero al castello di Drottningholm , uno con corona e mantello nel palazzo di Stoccolma e uno che è stato acquistato dall’imperatore tedesco.

Ha anche dipinto Prins Eugen vid staffliet ( Prince Eugen al cavalletto) (Nationamuseum, 1895); Il principe ereditario Gustaf (Palazzo di Stoccolma, 1900), La moglie dell’artista (a figura intera, 1891, Museo di Göteborg) e il barone Johan Nordenfalk den yngre [sv ] (Royal Academy, 1892). Inoltre, ha completato alcuni paesaggi, un paio di generi e vari dipinti decorativi.
I primi ritratti di Björck furono influenzati da Georg von Rosen e le sue immagini di Skagen riflettevano l’influenza degli artisti danesi, in particolare Peder Severin Krøyer . In molte delle sue opere caratteristiche, ha raffigurato la classe media svedese del suo tempo.

un brano msucale di Paul von Klenau  che ho rubato QUI da Claudio Capriolo

I Pittori di Skagen o dell’arte scandinava (terza parte)

Peder Severin Krøyer 

QUI la prima parte QUI la seconda parte

Peder Severin Krøyer
norvegese/danese1851 – 1909

Krøyer nacque a Stavanger, in Norvegia da Ellen Cecilie Gjesdal. Fu allevato dalla sorella di Gjesdal, Bertha Cecilie e dal cognato, lo zoologo danese Henrik Nikolai Krøyer, dopo che sua madre fu giudicata inadatta a prendersi cura di lui. Poco dopo Krøyer si trasferì a Copenaghen per vivere con i suoi genitori adottivi. Dopo aver iniziato la sua educazione artistica all’età di nove anni sotto tutela privata, si è iscritto all’Istituto Tecnico di Copenaghen l’anno successivo.
Il suo debutto ufficiale come pittore avvenne nel 1871 a Charlottenborg con il ritratto di un amico, il pittore Frans Schwartz. Ha esposto regolarmente a Charlottenborg per tutta la vita.
Nel 1874 Heinrich Hirschsprung acquistò il suo primo dipinto da Krøyer, stabilendo un mecenatismo di lunga data. La collezione d’arte di Hirschsprung costituisce la base del Museo Hirschsprung di Copenaghen.
Tra il 1877 e il 1881, Krøyer viaggiò molto in Europa, incontrando artisti, studiando arte e sviluppando le sue capacità e prospettive. Rimase a Parigi e studiò sottoLéon Bonnat, e senza dubbio subì l’influenza del contemporaneo impressionisti – Claude Monet, Alfred Sisley, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir e Édouard Manet
Nel 1882 tornò in Danimarca. Ha trascorso giugno-ottobre a Skagen, dipingendo temi della vita locale e rappresentazioni della comunità artistica locale. Continuerà a essere associato allo sviluppo della scena artistica e letteraria di Skagen. Altri artisti a Skagen includevano gli scrittori Holger Drachmann, Georg Brandes e Henrik Pontoppidan
Krøyer divideva il suo tempo tra case in affitto a Skagen durante l’estate, un appartamento invernale a Copenaghen dove lavorava ai suoi grandi ritratti commissionati, e viaggi fuori dal paese.
Durante un viaggio a Parigi nel 1888 incontrò Marie Martha Mathilde Triepcke, che aveva conosciuto a Copenaghen. Si innamorarono e, dopo una vorticosa storia d’amore, si sposarono il 23 luglio 1889 a casa dei suoi genitori in Germania. Marie Krøyer, che era anche una pittrice, fu associata alla comunità di Skagen e dopo il loro matrimonio fu spesso descritta nei dipinti di Krøyer. La coppia ebbe una figlia, una figlia di nome Vibeke, nata nel gennaio 1895. Divorziarono nel 1905 a seguito di una prolungata separazione.
La vista di Krøyer gli è venuta meno gradualmente negli ultimi dieci anni della sua vita fino a diventare completamente cieco. Sempre ottimista, ha dipinto quasi fino alla fine, nonostante gli ostacoli alla salute. In effetti, ha dipinto alcuni dei suoi ultimi capolavori mentre era mezzo cieco, scherzando sul fatto che la vista in un occhio funzionante era migliorata con la perdita dell’altro occhio.

Carl Locher
1851 – 1915

è stato sempre un po’ dimenticato sia dai critici, sia dalle mostre, soltanto negli ultimi anni ne è stta rivalutata l’arte e la bravura
nato a Flensburg nel Schleswig che era allora parte della Danimarca, fin da piccolo ha avuto un interesse per le navi e ha ricevuto la sua prima formazione da suo padre che ha dipinto ritratti di navi per vivere. Dopo la morte del padre, Carl ha continuato la sua attività per un breve periodo e continuò a diversi viaggi con navi della Royal Danish Navy . Colpito dalla grandezza del Oceano Atlantico , un viaggio alla Indie Occidentali danesi ha fatto una particolare impressione su di lui.
Anche prima di iniziare i suoi studi presso la Royal Danish Academy of Art nel 1872, è stato incoraggiato da Holger Drachmann di trascorrere un paio di mesi a Skagen
Ha completato rapidamente dipinti della spiaggia, alcune con barche da pesca o relitti.
Nel 1870, Locher ha proseguito i suoi studi a Parigi, ma ha visitato Skagen ogni volta che è tornato in Danimarca. Alla fine aveva una casa costruita là dove ha vissuto fino alla sua morte.
Come incisore Locher è stato considerato tra i migliori e più produttivo degli artisti danesi; nel 1892, ha dedicato la maggior parte del suo tempo all’arte dell’incisione, e viaggiò – con il sostegno dello Stato danese – a Berlino, dove divenne allievo dellì eccellente incisore in rame Hans Meyer .
Una raccolta completa delle sue stampe che si trova a Skagen Museum .
Supportato da parte dello Stato, ha aperto una scuola di incisione per artisti danesi a Copenaghen , dove ha insegnato fino al 1900.

Lauritz Regner Tuxen
danese 1810 – 1891

Re Cristiano IX di Danimarca con la famiglia

Lauritz Regner Tuxen è cresciuto a Copenhagen , in Danimarca. Era il figlio di Nicolai Elias Tuxen e Bertha Laura Giødvad . Suo padre era un ufficiale di marina e direttore del cantiere navale danese . La pittrice di nature morte e fiorista Nicoline Tuxen era sua sorella maggiore.
Dal 1868 al 1872 studiò alla Royal Danish Academy of Art insieme a Peder Severin Krøyer e ha studiato nello studio parigino di Léon Bonnat durante il 1875-1876 e di nuovo dal 1877-1878.
Visitò per la prima volta Skagen nel 1870, tornando in diverse occasioni. Negli anni 1880 e 1890 viaggiò molto dipingendo ritratti per le famiglie reali europee, tra cui Cristiano IX di Danimarca , la regina Vittoria e la famiglia reale russa
Laurits Tuxen divenne il primo direttore della scuola “Kunstnernes Frie Studieskoler” fondata a Copenaghen nel 1882, su iniziativa di un gruppo di studenti insoddisfatti della Royal Academy of Fine Arts e come reazione agli insegnamenti obsoleti dell’Accademia e e Peder Severin Krøyer uno dei suoi insegnanti.
Nel 1914 compì un viaggio di studio in Grecia per dipingere l’ingresso di Giorgio I di Grecia a Salonicco , per il castello cristiano. Realizza ritratti vivaci e ben caratterizzati, tra cui il suo autoritratto alla Galleria degli Uffizi a Firenze, e ritratti di PS Krøyer , al Museo di Belle Arti di Budapest. Ha anche realizzato ritratti in scultura, incluso un gruppo di ritratti di Krøyer e Michael Ancher . Tuxen ha continuato a dipingere una serie di paesaggi a Skagen e dintorni, ma ha anche completato una serie di dipinti della sua famiglia, degli amici e dei fiori del giardino.
Nel 1886 si sposò con Charlotte Pauline Ursule de Baisieux ,Nel 1901, dopo la morte della prima moglie, sposò Frederikke Kos Treschow
Successivamente ha acquistato la casa di Madam Bendsen a Skagen, , trasformandola in una maestosa residenza estiva.

Raoul Dufy o della luce e del colore

Raoul Dufy
francese 1877 – 1953

vidi al Museo di Arte Moderna di Troyes, vicino Parigi una sua mostra di circa 300 opere pochi anni fa e devo dire che ne fui affascinata, è un pittore i cui quadri non rendono nelle stampe e neppure nelle foto, hanno bisogno di essere visti dal vero per gustare a pieno la bellezza dei colori
pittore unico, uno del più incredibili di tutti i tempi per i suoi stupefacenti blu, verdi, gialli e violacei che sembrano riempire un tessuto,saturarlo, farne un’esplosione d’intensità
il colore risplende sempre nel suo lavoro, la luce si diffonde con una ricchezza, un calore, una vita, incomparabili, tutto è fresco, vivo, allegro come la primavera nella natura o la gioventù nella vita…
JEAN CASSOU..sovrintendente del “Musée National d’Art Moderne” nel 1953di lui così diceva:
” fu un mago e nello stesso tempo un creatore potente, innovatore ed audace che può essere annoverato fra i 4 o 5 artisti che hanno dato il via all’arte moderna …”
i suoi colori non sono tanto i colori della natura, sono i colori della “pittura”, i colori della sua tavolozza che diventano parole, che diventano racconti di luce, perchè il suo colore genera luc
pittore, scenografo e disegnatore francese, fu Influenzato dall’impressionismo di Boudin, si schierò più tardi tra i fauves, ma la sua formazione si svolse in modo irregolare avendo dovuto cominciare a lavorare già a quattordici anni.
l’apprendimento proseguì con insegnanti votati alla tradizione accademica e solo a ventidue anni si iscrisse alla École des Beaux-Arts di Parigi, grazie a una borsa di studio offerta dalla sua città.
nell’ambiente artistico incredibilmente stimolante della Parigi di quegli anni si avvicinò a due anziani patriarchi dell’impressionismo come Monet e Pissarro, ma finalmente nel 1905 lo scandalo dei Fauves gli rivelò una pittura moderna e congeniale, soprattutto in Matisse. Da allora la sua sigla elegantemente decorativa, quasi arabescata, si affermò con successo in una produzione assai vasta, dalla pittura alla grafica, dalle ceramiche ai tessuti, dalle illustrazioni alle scenografie
si libera così del naturalismo di tipo impressionista, ormai superato, e inizia a creare gli straordinari ghirigori dinamici di colore che diventeranno caratteristici della sua pittura, in una trasfigurazione originalissima del vero distillato in intreccio di movimenti guizzanti e senza peso.

potete trovqare QUI una sua buona biografia

Claudio Capriolo nel suo BLOG ha messo un bellissimo post con la musica di Igor’ Stravinskij (1882 - 1971): Double Canon (In Memoriam Raoul Dufy)

GRAZIEEEEE

Marie Bracquemond o del bisogno di libertà

Marie Bracquemond
francese 1840- 1916

era una Impressionista , che fu descritta retrospettivamente da Henri Focillon nel 1928 come uno dei “les trois grandes dames” dell’Impressionismo Berthe Morisot e Mary Cassatt. Lasua frequente omissione dai libri sugli artisti è talvolta attribuita agli sforzi di suo marito, Félix Bracquemond. Félix rispettava i talenti di sua moglie come artista, ma era in disaccordo con grande con il suo adattamento alle tecniche impressioniste, in particolare per il suo uso del colore.
È nata Marie Anne Caroline Quivoron ad Argenton-en-Landunvez, vicino a Brest, in Bretagna. Non godeva della stessa educazione o carriera delle altre famose impressioniste donne -Cassatt, Morisot, Gonzalès. Era la figlia di un matrimonio combinato infelice. Suo padre, un capitano di mare, è morto poco dopo la sua nascita. Sua madre Aline Hyacinthe Marie Pasquiou si risposò rapidamente con Émile Langlois, e da allora in poi condussero un’esistenza instabile, trasferendosi dalla Bretagna al Giura, in Svizzera e nel Limosino, prima di stabilirsi a Étampes, a sud di Parigi. Aveva una sorella, Louise, nata nel 1849 mentre la sua famiglia viveva vicino a Ussel (dipartimento Corrèze nel Limosino) nell’antica abbazia Notre-Dame de Bonnaigue.
Ha iniziato le lezioni di pittura nella sua adolescenza sotto la guida di M. Auguste Vassort, “un vecchio pittore che ora restaurava dipinti e dava lezioni alle giovani donne della città”. Ha progredito a tal punto che nel 1857 ha presentato al Salon un dipinto di sua madre, sorella e vecchia insegnante nello studio, che è stato accettato. Successivamente è stata presentata al pittore Ingres che la consigliò e la presentò a due dei suoi studenti, Flandrin e Signol. Come studentessa nello studio privato parigino di Ingres, scrisse che: “La severità di Monsieur Ingres mi spaventava … perché dubitava del coraggio e della perseveranza di una donna nel campo della pittura … Assegnava a loro solo la pittura di fiori, di frutti, di nature morte, di ritratti e discene di genere “. Il critico Philippe Burty l’ha definita “una delle allieve più intelligenti dello studio di Ingres”. In seguito lasciò lo studio di Ingres e iniziò a ricevere commissioni per il suo lavoro, tra cui uno dalla corte dell’Imperatrice Eugenia per un dipinto di Cervantes in prigione. Ciò evidentemente piacque, perché le fu poi chiesto dal conte de Nieuwerkerke, direttore generale dei musei francesi, di fare importanti copie al Louvre.
fu mentre copiava Old Masters al Louvre che fu vista da Félix Bracquemond che si innamorò di lei. Il suo amico, il critico Eugène Montrosier, organizzò un’incontro e da allora lei e Félix furono inseparabili, furono fidanzati per due anni prima di sposarsi il 5 agosto 1869, nonostante l’opposizione di sua madre.
Félix e Marie Bracquemond hanno lavorato insieme nello studio Haviland ad Auteuil dove suo marito era diventato direttore artistico. Ha progettato piatti per servizi da tavola ed eseguito grandi pannelli di piastrelle raffiguranti le Muse, che sono state mostrate all’Esposizione Universale del 1878.
Iniziò a far accettare regolarmente dipinti per il Salon dal 1864, gli sforzi del marito per insegnarle l’incisione furono solo un successo qualificato. Nondimeno ha prodotto nove incisioni che sono state mostrate alla seconda mostra della Society of Painter-Etchers alle Galeries Durand-Ruel nel 1890. Suo marito l’ha introdotta ai nuovi media e agli artisti che ammirava, così come i maestri più anziani come Chardin . Era particolarmente attratta dal pittore belga Alfred Stevens. Tra il 1887 e il 1890, sotto l’influenza degli impressionisti, lo stile di Bracquemond iniziò a cambiare. Le sue tele si ingrandirono e i suoi colori si intensificarono. Si trasferì fuori casa (parte di un movimento che divenne noto come plein air ) e, con disgusto del marito, Monet e Degas divennero i suoi mentori
Molte delle sue opere più famose sono state dipinte all’aperto, soprattutto nel suo giardino a Sèvres. Uno dei suoi ultimi dipinti è stato The Artist’s Son and Sister in the Garden a Sèvres . Bracquemond partecipò alle mostre impressioniste del 1879, 1880 e 1886.
Nel 1879 e nel 1880, alcuni dei suoi disegni furono pubblicati su La Vie Moderne . Nel 1881 espone cinque opere alla Dudley Gallery di Londra .
Nel 1886, Félix Bracquemond incontrò Gauguin tramite Sisley e portò a casa l’artista impoverito. Gauguin ha avuto un’influenza decisiva su Marie Bracquemond e, in particolare, le ha insegnato come preparare la sua tela per ottenere i toni intensi che ora desiderava a differenza di molti dei suoi contemporanei impressionisti, Bracquemond ha dedicato molti sforzi alla pianificazione dei suoi pezzi. Anche se molte delle sue opere hanno un’atmosfera spontanea, si è preparata in modo tradizionale attraverso schizzi e disegni
Sebbene sia stata messa in ombra dal suo famoso marito, il lavoro della solitaria Marie Bracquemond è considerato più vicino agli ideali dell’impressionismo. Secondo il loro figlio Pierre, Félix Bracquemond era spesso risentito con la moglie, rifiutando bruscamente la sua critica del suo lavoro e rifiutandosi di mostrare i suoi dipinti ai visitatori. Nel 1890, Marie Bracquemond, sfinita dai continui attriti domestici e scoraggiata dalla mancanza di interesse per il suo lavoro, abbandonò la sua pittura ad eccezione di poche opere private.
È rimasta una strenua difensore dell’Impressionismo per tutta la vita, anche quando non dipingeva attivamente. In difesa dello stile a uno dei tanti attacchi del marito alla sua arte, ha detto:

“L’impressionismo ha prodotto non solo un modo nuovo, ma anche on modo diverso do guardare le cose. È come se tutto in una volta una finestra si aprisse e il sole e l’aria entrassero nella tua casa a torrenti “.

Morì a Parigi il 17 gennaio 1916 ed è stata inclusa nella mostra del 2018 Women in Paris 1850-1900

Eva Gonzalès o delle difficoltà di essere una pittrice donna

Eva Gonzalès
francese 1849 – 1883

Eva Gonzalès è nata a Parigi nella famiglia dello scrittore Emmanuel Gonzalès. Nel 1865 iniziò la sua formazione professionale e prese lezioni di disegno dal ritrattista della società Charles Chaplin. Attraverso i contatti di suo padre come presidente fondatore della Société des gens de lettres, ha incontrato una varietà di membri dell’élite culturale parigina e fin dalla giovane età è stata esposta alle nuove idee che circondavano l’arte e la letteratura dell’epoca.
divenne allievo dell’artista Édouard Manet nel nel febbraio 1869. Si dice che Manet abbia iniziato subito un suo ritratto, che fu completato nel marzo 1870 ed esposto come Mlle EG al Salon in quell’anno. sfortunatamente le sue proposte di debutto al Salon, sempre nel 1870, furono offuscate dalla presenza del ritratto di Manet.

ritratto che le fece Manet

Il suo dipinto la ritrae mentre lavora su un cavalletto, ma la sua postura rigida e il suo vestito costoso sono chiaramente inadatti a creare opere d’arte. Questa rappresentazione di lei probabilmente ha indotto alcuni critici a percepirla semplicemente come una modella giovane, bella e decorativo che stava lavorando con un pittore maschio più anziano.
Gonzalès era l’unico studente femminile di Manet e ha anche posato come modella per diversi membri della scuola impressionista. La Mlle EG di Manet è stata discussa più dell’opera di Gonzalès nella sua retrospettiva del 1885 e alla mostra della Galerie Daber per il suo lavoro nel 1950.
col tempo l lavoro di Gonzalès è stato celebrato dai “revisori” del Salon per l’intuizione intrinseca con cui si è avvicinata all’arte, oltre che per la sua abilità tecnica . A un certo punto si è elencata come una studentessa di Charles Chaplin per le sue proposte al Salon, forse un modo per essere presa più sul serio. Gran parte del suo lavoro è stato caratterizzato dalle recensioni del Salon con discussioni sulla sua “tecnica femminile” e la sua “armonia seducente”.

Box at the Théâtre des Italiens (1874),

Tuttavia, il suo dipinto , Box at the Théâtre des Italiens (1874), è stato giudicato dalla giuria del Salon come avente “vigore maschile”, il che li ha portati a rifiutarlo con domande sull’autenticità del suo dipinto. Tuttavia, il suo lavoro è stato valutato positivamente da una varietà di critici. Louis Leroy, Jules Castagnary ed Émile Zola hanno elogiato il lavoro
come Édouard Manet, Gonzalès non ha mai esposto alle mostre impressioniste a Parigi, ma è considerata parte del gruppo per via del suo stile pittorico. Mentre studiava con Manet, gli autoritratti di Gonzalès suggeriscono che stava esplorando la sua individualità e identità di artista presentando sottili correttivi alla sua versione di Manet. Fino al 1872 fu fortemente influenzata da Manet, ma in seguito sviluppò un suo stile più personale nel 1879 sposò Henri Guérard, un artista grafico e incisore di Manet.
Ha usato suo marito e sua sorella, Jeanne Gonzalès, come modelli. Durante la guerra franco-prussiana cercò rifugio a Dieppe.
Nel 1883, Gonzelès morì di parto all’età di trentaquattro anni, cinque giorni dopo la morte del suo insegnante, Edouard Manet, e lasciò che il figlio fosse allevato da suo padre e sua sorella, Jeanne, che in seguito divenne la seconda moglie di Guerard. Dalla sua morte, le mostre di Gonzales si sono svolte presso i Salons de La Vie Moderne (1885), il Salon d’Automne (1907), in diverse gallerie di Parigi.
Il suo lavoro è stato anche esposto nel 1952 al Musée National des Beaux-Arts, Monte Carlo.

Zinaida Serebriakova o della sua amata terra

autoritratto

Zinaida Serebriakova
ucraina 1884 – 1967

è una pittrice russo/ucraina/francese a cui io sono molto affezionata per la sua costanza nel dipingere nonostante tutte le traversie della vita e la sofferenza, non ha avuto una vita facile, ma non ha mai smesso di dipingere mai e sempre “a modo suo” nel ricordare la sua terra e i suoi abitanti!

è nata nella tenuta di Neskuchnoye vicino a Kharkov (ora Kharkiv, Ucraina) in una delle famiglie più raffinate e artistiche dell’Impero russo,
apparteneva alla famiglia artistica Benois. Suo nonno, Nicholas Benois, era un famoso architetto, presidente della Society of Architects e membro dell’Accademia russa delle scienze. Suo zio,Alexandre Benois, era un famoso pittore, fondatore del gruppo artistico Mir iskusstva. Suo padre, Yevgeny Nikolayevich Lanceray (Wikidata), era un noto scultore e sua madre, la sorella di Alexandre Benois, aveva un talento per il disegno. Uno dei fratelli di Zinaida, Nikolay Lanceray, era un architetto di talento, e l’altro suo fratello,Yevgeny Yevgenyevich Lanceray, ha avuto un posto importante nell’arte russa e sovietica come maestro della pittura monumentale e dell’arte grafica. Anche l’attore e scrittore russo-inglese Peter Ustinov era imparentato con lei.
Nel 1900 si diplomò in un ginnasio femminile (equivalente al liceo classico) ed entrò nella scuola d’arte fondata dalla principessa Maria Tenisheva. Ha studiato sotto Repin nel 1901, e sotto l’artista Osip Braz tra il 1903 e il 1905. Nel 1902-1903 trascorse del tempo in Italia e dal 1905 al 1906 studiò presso la Académie de la Grande Chaumièrea Parigi.
nel 1905, sposò il suo primo cugino, Boris Serebriakov, figlio della sorella di Evgenyi, e prese il suo cognome. Serebriakova ha continuato a studiare per diventare un ingegnere ferroviario.
dalla sua giovinezza in poi, Zinaida Serebriakova si è sforzata di esprimere il suo amore per il mondo e di mostrarne la bellezza. Le sue prime opere, parlano in modo eloquente di questa ricerca e della sua acuta consapevolezza della bellezza della terra russa e della sua gente. Questi lavori sono studi realizzati nella natura e, sebbene fosse giovane all’epoca, il suo straordinario talento, sicurezza e audacia erano evidenti.
un ampio riconoscimento pubblico arrivò con l’autoritratto di Serebriakova At the Dressing-Table (1909, Galleria Tretyakov), mostrato per la prima volta in una grande mostra organizzata dall’Unione degli artisti russi nel 1910.
Si unì al movimento Mir iskusstva nel 1911, ma si distinse dagli altri membri del gruppo per la sua preferenza per i temi popolari e per l’armonia, la plasticità e la natura generalizzata dei suoi dipinti.
Nel 1914-1917, Zinaida Serebriakova era nel fiore degli anni. In questi anni ha prodotto una serie di immagini sul tema della vita rurale russa, il lavoro dei contadini e la campagna russa che le era tanto cara:
La più importante di queste opere fu Bleaching Cloth (1917)

Bleaching Cloth

che rivelò il sorprendente talento di Zinaida Serebriakova come artista monumentale. Le figure delle contadine, ritratte sullo sfondo del cielo, acquistano maestà e potenza in virtù dell’orizzonte basso.
Allo scoppio della Rivoluzione d’ Ottobre nel 1917, Serebriakova si trovava nella tenuta di famiglia di Neskuchnoye e improvvisamente tutta la sua vita cambiò. Nel 1919 suo marito Boris morì di tifo contratto nelle carceri bolsceviche . È rimasta senza reddito, responsabile dei suoi quattro figli e della madre malata. Tutte le riserve di Neskuchnoye erano state saccheggiate, quindi la famiglia soffriva la fame. Ha dovuto rinunciare alla pittura a olio a favore delle tecniche meno costose del carboncino e della matita. Questo è stato il periodo del suo dipinto più tragico, House of Cards , che raffigura i loro quattro figli orfani

House of Cards

Nell’autunno del 1924, Serebriakova andò a Parigi, dopo aver ricevuto una commissione per un grande murale decorativo. Al termine di questo lavoro, intendeva tornare in Unione Sovietica , dove rimasero sua madre ei quattro figli. Tuttavia, non fu in grado di tornare, e sebbene fosse in grado di portare i suoi figli più piccoli, Alexandre e Catherine, a Parigi rispettivamente nel 1926 e nel 1928, non poteva fare lo stesso per i suoi due figli più grandi, Evgenyi e Tatiana, e lo fece Non li rivedrò più da molti anni.

Dopo questo, Zinaida Serebriakova ha viaggiato molto. Nel 1928 e nel 1930 si recò in Africa, visitando il Marocco . Era affascinata dai paesaggi dell’Africa settentrionale e dipingeva le montagne dell’Atlante , così come le donne arabe e gli africani in abiti etnici. Ha anche dipinto un ciclo dedicato ai pescatori bretoni . La caratteristica saliente dei suoi successivi paesaggi e ritratti è la personalità stessa dell’artista: il suo amore per la bellezza, sia nella natura che nelle persone.
Nel 1947, Serebriakova finalmente ha preso la cittadinanza francese, Zinaida Serebriakova muore a Parigi il 19 settembre 1967, all’età di 82 anni. È sepolta a Parigi, nel cimitero russo di Sainte-Geneviève-des-Boi

Dante Gabriel Rossetti o della “Confraternita Preraffaellita”

Dante Gabriel Rossetti inglese  1828-1882

questo pittore inglese dal nome quasi italiano mi è capitato sotto il naso, perchè nel hard “Donne” , dove raccolgo, man mano che trovo , i dipinti di donne fatti da pittori non troppo noti, mi sono imbattuta nelle sue “donne. o sarebbe meglio dire nella sua donna, perchè preso da amore folle ed esclusivo, dipingeva tutti i suoi quadri di donne con le sembianze della sua compagna, dalle Sante alle Principesse avevano tutte lo stesso volto
in verità la sua compagna, Elisabeth Siddal, era di una bellezza grandissima, io trovo il suo viso di una modernità stupefacente e quando morì per eccesso di laudano per il pittore – poeta fu un dolore incolmabile
io vidi una sua mostra a Londra molti anni fa e benchè il suo modo di dipingere non faccia per me, i suoi quadri mi sono rimasti negli occhi per la scelta dei gialli e dei rossi e per il viso bellissimo di Elisabeth

Dante Gabriel Rossetti nacque a London nel 1828 (morì a Birchington [Kent] nel 1882), studiò pittura all’Anti que School della Royal Academy e presso lo studio di F.M. Brown. Nel 1848 fondò la Confraternita dei Preraffaelliti: insieme a lui erano J.E. Millais, W.H. Hunt, W. Morris e E.C. Burne-Jones. Rossetti pubblicò le sue prime poesie proprio su «The Germ». Seguirono poi nel 1861 la pubblicazione dei “Poeti italiani delle origini” (The early italian poets), raccolta di traduzioni da Alighieri e da altri autori medievali. Nel 1862 Rossetti fece seppellire con la moglie, morta per abuso di laudano, i manoscritti dei propri ver si, che vennero poi recuperati e pubblicati nel 1870 con il titolo Poesie (Poems). Del 1881 è la raccolta Ballate e sonetti (Bal lads and sonnets) che contiene alcune delle sue liriche migliori, come la sequenza di sonetti “La casa della vita” (The house of life). Le poesie di Rossetti peccano talvolta di artificiosità e di sentimentalismo vittoriano, riflettono alcuni aspetti fondamentali del movimento preraffaellita: l’interesse per la vivezza del particolare (tratto da Keat), l’ambiente irreale e simbolico, l’atmosfera di religiosa dedizione all’arte.

Nel 1848, insieme ad altri due artisti del calibro di Hunt e Millais, dà vita alla “Confraternita Preraffaellita”, un progetto che intende essere nello stesso tempo un gruppo di lavoro e la concretizzazione di una visione estetica basata sul rifiuto della pittura accademica di origine rinascimentale (da qui l’atteggiamento polemico nei confronti della pittura anteriore a Raffaello). Lo stile si ispira fortemente alla cultura medievale e primo rinascimentale ed è basato sulla ricerca di una “verità” di rappresentazione che passa anche per un uso peculiare dei mezzi coloristici. Infine, il gruppo desiderava ribellarsi alla natura convenzionale della società Vittoriana.

Sul piano ideologico, invece, essi desideravano ritornare “teologicamente e esteticamente all’araldico mondo della cristianità medievale” e aspiravano al ritorno di un’arte più genuina, semplificata, come essi la vedevano dal lavoro dei Nazareni, radicata nel realismo e nella verità della natura. Non è un caso se i pittori Preraffaelliti rivisitarono la tecnica dell’affresco.
Il fenomeno dell’arte preraffaellita, anche per il periodo in cui si manifesta, è un’ultima manifestazione del romanticismo inglese ed insieme anche il contributo anglosassone alle poetiche simboliste europee che partecipano del decadendismo di fine secolo (Il medioevo dei preraffaelliti è infatti molto letterario, basato su una rievocazione che che è più legata al mito che non alla riscoperta vera del periodo medievale).

Tornando specificatamente a Rossetti, il 1849 è l’anno dell’amore con Elizabeth Siddal una passione travolgente ma anche un sentimento fortissimo, con si esaurirà che fino alla sua morte dei due. L’amante di Rossetti divenne la modella della maggior parte dei suoi quadri e anche il soggetto di un largo numero di disegni. Qualcuno ha parlato addirittura di ossessione…

Anche la vita di Dante, tanto amata da suo padre, fu uno dei suoi soggetti prediletti. Un interesse che si rispecchia nelle rappresentazioni di Beatrice, alle illustrazioni sulla vita del poeta (più o meno romanzata), narrata attraverso un gusto tardo quattrocentesco che approda però a stilemi propri della maniera “decadente”. Questo, fra l’altro, è un momento della sua ricerca estetica, connesso con l’assunzione di droghe, che lo debiliteranno non poco, fino quasi alla morte.

Quando Rossetti morì, nel 1882, si trovava in debiti finanziari. Il cimitero di Highgate, nel quale era sepolta anche Siddal, si rifiutò di seppellire i resti dell’artista, che venne quindi esumato in Burchington Churchyard.