William Bradford o delle terre di ghiaccio

William Bradford
americano 1823 – 1892

nato a New Bedford, Massachusetts nel 1827 da genitori di tradizione quaqquera, fu indirizzato agli affari mercantili ma era solito dipingere nelle ore di svago ed ad un certo punto della vita dopo avere fallito negli affari
adottò la pittura come una professione
cominciò dipingere navi in vari porti e divenne noto come un ritrattista accurato dipinse anche scenari che ben conosceva come il Labrador e le terre del New England e con la stessa fedeltà per il dettaglio “raccontò col pennello” anche le scene delle terre dei ghiacci
nel dipingere le forme e i moti delle onde e l’aspetto del mare e delle tempeste e dei temporali produsse effetti realistici non ottenuti dai pittori che lo avevano preceduto, la sua accuratezza di osservazione e disegno si vede molto bene negli schizzi ad inchiostro, nelle sue tele invece non abbonda sempre nella varietà dei colori ed è piuttosto duro e freddo. anche se migliorò moltissimo nell’uso dei pigmenti dopo averci lavorato molto
Bradford estese i suoi studi alle regioni artiche, fece escursioni nei campi di ghiaccio del nord Atlantico, e disegnò lo scenario rivierasco delle regioni di ghiaccio
queste scene che lui ha dipinto attirarono l’attenzione del pubblico sia in Inghilterra sia in America, un suo quadro fu addirittura acquistato dalla Regina Victoria e fu esibito col suo permesso all’accademia reale nel 1875
non so se si possa definire un grande pittore, certo è che su di me personalmente alcune scene delle terre dei ghiacci hanno esercitato un grande fascino fin da bambina, noi fratelli avevamo un libro sui mari del Nord con le immagini di molti dei suoi dipinti e nel pomeriggio dopo le cinque prima della cena mio padre ci narrava “favole” magiche su quelle figure…
ce n’è una di due enormi icebergs,

anche molto cupi e da dietro ancora oggi vedo spuntare “il Tricheco tritaghiaccio” uno dei personaggi che ancora ho nel cuore, inventati da mio padre per noi fratelli e che io ho tramandato a mia figlia..
per cui, anche se non saranno opere d’arte nel senso classico del termine sono opera “magiche” che possono far sognare

Alice Bailly dal cubismo alla pittura con la lana

Alice Bailly
svizzera 1872 – 1938

è stata una pittrice svizzera , nota per le sue interpretazioni del cubismo, fauvismo, e dei suoi dipinti di lana e la sua partecipazione al movimento Dada
nel 1906, Bailly si era stabilita a Parigi dove fece amicizia con Juan Gris, Francis Picabia e Marie Laurencin, pittori modernisti d’avanguardia che influenzarono le sue opere e la sua vita successiva.
Bailly è nata a Ginevra, in Svizzera, dove ha frequentato l’École des Beaux-Arts e ha seguito corsi per sole donne.
Durante la sua permanenza lì ha studiato con Hugues Bovy e Denise Sarkiss. Successivamente ha studiato a Monaco di Baviera, in Germania.
Mentre era a Parigi per esporre le sue incisioni su legno, si interessò al fauvismo. Ciò che ha attirato Bailly al fauvismo è stato “ l’uso audace dello stile di colori intensi, contorni scuri e anatomia e spazio decisamente irrealistici “. I suoi dipinti in questo stile furono infine esposti al Salon d’Automne nel 1908 insieme a molti altri illustri pittori Fauv.
Nel 1912, il lavoro di Bailly fu scelto per rappresentare gli artisti svizzeri in una mostra che attraversò la Russia, l’Inghilterra e la Spagna. Successivamente, si è immersa nell’estetica futuristica e nell’avanguardia. All’inizio della prima guerra mondiale, Bailly tornò nel suo paese natale, la Svizzera, e inventò i suoi caratteristici ” dipinti di lana “, che erano le sue varianti del cubismo.
Lo stile consisteva in brevi fili di filo colorato che fungevano da pennellate.
Ha realizzato circa 50 di questi dipinti di lana tra il 1913 e il 1922.

Durante la prima guerra mondiale si verificò il fenomeno Dada, in cui Bailly fu brevemente coinvolto. Il movimento, iniziato in Svizzera, consisteva in una varietà di forme d’arte e mirava a provocare reazioni violente nei suoi spettatori, non per compiacere gli occhi del pubblico.
Molti credono che le performances di arte moderna siano derivate da questo movimento.
Nel 1923 si trasferì a Losanna e vi rimase per il resto della vita. Le fu commissionato di dipingere otto larghi murales per il foyer del Teatro di Losanna nel 1936. Questa attività la portò ad una stanchezza tale che avrebbe contribuito alla tubercolosi, malattia che le procurò la morte nel 1938.
La sua volontà finale fu che i proventi della vendita della sua arte fossero utilizzati per stabilire un fondo fiduciario per aiutare giovani artisti svizzeri

Gabriële Buffet o “il cervello erotico” dice Francis Picabia

prima di parlare di Francis Picabia, uno dei massimi espionnenti del Gruppo di Puteauz, penso si debba parlare di sua moglie Gabriële Buffet, che fu senza troppo apparire uno dei personaggi che hanno fatto la storia e la differenza di quel periodo storico ed artistico. Musicista, moglie di Francis Picabia, amante di Marcel Duchamp e amica di Guillaume Apollinaire, Gabriële Buffet aveva un dono: quello di scoprire i geni e di essere al loro servizio. Questa donna d’avanguardia ha svolto un ruolo centrale nella storia dell’arte dei primi del 20 ° secolo. Tuttavia, è rimasta nell’ombra per molto tempo.

Le sue pronipoti, Anne e Claire Berest, le dedicano un libro. Per ricostruire meglio una storia familiare dolorosa e sconosciuta. E metti fine al silenzio.
Gabriële Buffet-Picabia è stata una delle poche donne a studiare alla Schola di Berlino. Questa talentuosa musicista, attaccata alla sua indipendenza – non voleva sposarsi o avere figli – ha deciso dall’oggi al domani di rinunciare ai suoi sogni. Siamo nel 1908; Gabriële ha 27 anni. Ha appena incontrato Francis Picabia. Diventerà il cervello della sua pittura e lo guiderà verso l’astrazione.
Perché Gabriële Buffet-Picabia aveva un dono: quello di riconoscere il talento! Igor Stravinksi, Jean Arp, Francis Picabia, Marcel Duchamp che ha conosciuto quando aveva solo 24 anni, o Elsa Schiaparelli, che ha incontrato su una nave diretta a New York e alla quale ha presentato il couturier Poiret… Tutti gli devono molto! Era una regina. E anche un re. Jean Arp ha scritto questa bellissima definizione di Gabriële: “Gabrielle è un re. Gabrielle è una regina. Ama la magia. Anche intrappolato nella tela di un ragno, rimane limpido come la luce del giorno ”.Ha svolto un ruolo centrale nella storia dell’arte. Eppure Gabriële Buffet è una di quelle rare persone che si ritira dalla storia, per farsi da parte minimizzando il suo ruolo con gli artisti.
Ma Gabriële non si è mai sentita di fare sacrifici. Era una donna libera e indipendente. “Ero come un uomo. Non volevo limitare la mia vita. Ho sempre vissuto la mia vita da avventuriero, concedendomi cose che gli altri non fanno. Mi sarebbe piaciuto viaggiare molto di più. A volte ero frustrato per non avere le avventure che volevo vivere, quindi ho avuto avventure all’interno dei rapporti che avevo con le persone. “
Una cosa rimane però un mistero tra i Picabia: il rapporto con i loro figli. Gabriële e Francis avevano quattro figli affidati a loro volta a tate, parenti o mandati in collegio. Insomma, bambini ingombranti a cui si interessavano poco! Vincente, il più giovane, si è suicidato a 27 anni, lasciando una bambina, Lélia Picabia, che ha tracciato una linea su questa dolorosa storia familiare. Nonostante questo nome prestigioso, Anne e Claire Berest, le sue figlie, scoprirono tardi di essere le pronipoti di Gabriële. Hanno deciso di tornare indietro nel tempo per comprendere meglio la loro storia dedicando un libro a Gabriële Buffet-Picabia. Una donna brillante e moderna con una vita romantica e un destino straordinario!

Gabriële avrebbe potuto essere una grande artista, una musicista che aveva studiato composizione a Parigi e poi a Berlino, dove fece amicizia con Edgard Varèse. Ma un incontro, una sconvolgente storia d’amore cambierà il corso della sua esistenza. Nel 1908 incontrò Francis Picabia e abbandonò immediatamente il pianoforte e gli spartiti per una vita di follia surrealista. “Stare con lui è un progetto in sé. Una creazione di tutti i giorni ” .
Da quel momento in poi accompagnerà il fantastico viaggio e la creazione sfrenata di Picabia. Più che una musa, consiglia, condivide le sue intuizioni, interviene per guidare la ricerca del pittore postimpressionista. Per lei, ecco un giovane che fa vecchie pitture. Appassionata di musica d’avanguardia, lo spinge verso l’astrazione, guidandolo nella sua ricerca di un nuovo linguaggio artistico. Picabia, artista di successo celebrato per i suoi paesaggi normanni, abbandona una chiara carriera e intraprende insieme a lui un’avventura artistica fondamentale. I colori diventano come note musicali, non vengono più usati per trascrivere la realtà. Partecipò all’invenzione dell’astrazione, frequentò i cubisti del gruppo Puteaux, poi, con 391,annuncia Dada a cui parteciperà attivamente. Gabriële incontra il bel Marcel Duchamp che diventerà un alter ego per Picabia. Lei sa istintivamente che i due uomini dovrebbero andare d’accordo. “Condividono il gusto per le icone che si spezzano, per l’arte dell’ironia e per l’ironia dell’arte, per gli scherzi in ogni circostanza e per la morte di Dio” . Insieme formano uno strano trio in cui si intersecano relazioni amichevoli, romantiche e artistiche, lontane dai canoni piccolo borghesi dell’epoca.
Una galleria di personaggi, tutti accuratamente abbozzati, accompagna gli amanti, Arthur Cravan, Isadora Duncan, Alfred Stieglitz, Elsa Schiaparelli, Tristan Tzara, Jean Arp, Henri-Pierre Roché, poi Germaine Everling, l’amante di Picabia per la quale lascerà Gabriële. . Negli anni ’10, poi durante la prima guerra mondiale che fa a pezzi l’Europa ma a cui non importa, tutta questa gioiosa colonia pensa solo alla creazione, ai viaggi a tamburo nelle tante macchine di Picabia, non si cura dei confini, nazionalismo e soprattutto partito, anche se in testa c’è il loro amico Guillaume Apollinaire, anima gemella di Gabriële. “Il denaro, secondo lui, è fatto per essere bevuto, speso, mangiato, buttato dalle finestre del piacere”. Tra Parigi, New York, Cassis, Barcellona o Zurigo, il racconto vorticoso delle sorelle Berest collega provocazioni, periodi di creazione e depressione, feste di piacere e cadute libere. Poiché il carattere di Picabia, un grande amante dell’oppio, è mutevole, non diciamo ancora bipolare. E se Gabriële è un’ispiratrice, una “donna dal cervello erotico” come la definiva il maruto, che mette in ginocchio tutti gli uomini che incontra, è anche quella che permette alla formidabile macchina intellettuale Picabia di correre a tutta velocità, a sua volta manager, performer. e infermiera.

Frantisek Kupka: dal realismo all’arte astratta (gruppo di Puteaux)

Frantisek Kupka
ceco 1871 – 1957

noto anche come Frank Kupka o François Kupka, è stato un pittore e artista grafico ceco, è stato un pioniere e co-fondatore delle prime fasi del movimento di arte astratta e orfico Cubismo (Orfismo). Le opere astratte di Kupka sono nate da una base di realismo, ma in seguito si è evoluto in pura arte astratta.
è nato a Opočno (Boemia orientale) in Austria-Ungheria nel 1871. Dal 1889 al 1892 ha studiato all’Accademia di Belle Arti di Praga. In questo momento, ha dipinto temi storici e patriottici. Kupka si iscrive all’Accademia di Belle Arti di Vienna, dove si concentra su temi simbolici e allegorici. Fu influenzato dal pittore e riformatore sociale Karl Wilhelm Diefenbach (1851-1913) e dal suo stile di vita naturista. Kupka espose al Kunstverein di Vienna nel 1894. Il suo coinvolgimento con la teosofia e la filosofia orientale risale a questo periodo. Nella primavera del 1894 Kupka si era stabilito a Parigi; lì ha frequentato ilAcadémie Julian brevemente e poi ha studiato con Jean-Pierre Laurens al École des Beaux-Arts.
ha prestato servizio come volontario nella prima guerra mondiale ed è menzionato in La Main coupée di Blaise Cendrars. Cendrars lo descrive come un “soldato orgoglioso, calmo, placido, forte” … ma davvero troppo vecchio per essere un soldato, essendo di almeno 25 anni più vecchio degli altri. Quando il reggimento partì da Parigi per il fronte in Piccardia (marciarono per tutto il tragitto a piedi), Madame Kupka incontrò la colonna mentre arrivavano alla rotonda di La Défense, vicino a dove vivevano. Marciò con loro, portando la borsa del marito e il fucile. Avrebbe marciato fino al fronte, ma alla fine del primo giorno il colonnello la fece arrestare e rispedire a Parigi. In seguito si è recata in prima linea per trascorrere del tempo con suo marito.
ha lavorato come illustratore di libri e poster e, durante i suoi primi anni a Parigi, è diventato noto per i suoi disegni satirici per giornali e riviste. Nel 1906 si stabilisce a Puteaux, un sobborgo di Parigi, e nello stesso anno espone per la prima volta al Salon d’Automne
rimase profondamente colpito dal primo Manifesto futurista, pubblicato nel 1909 su Le Figaro. Il dipinto di Kupka del 1909 Piano Keyboard / Lake

ha segnato una rottura nel suo stile di rappresentazione, il suo lavoro divenne sempre più astratto intorno al 1910-1911, riflettendo le sue teorie sul movimento, il colore e il rapporto tra musica e pittura (orfismo).
Nel 1911 partecipò alle riunioni del Gruppo Puteaux (Sezione d’Oro). Nel 1912 espone la sua Amorpha. Fugue à deux couleurs,

al Salon des Indépendants nella sala cubista, sebbene non volesse identificarsi con nessun movimento. Creation in the Plastic Arts, un libro completato da Kupka nel 1913, fu pubblicato a Praga nel 1923.
Nel 1931 fu membro fondatore diAbstraction-Création. Nel 1936, il suo lavoro è stato incluso nella mostra Cubismo e arte astratta al Museum of Modern Art di New York City, e in un’importante mostra con un altro pittore ceco, Alphonse Mucha, al Jeu de Paume di Parigi. Una retrospettiva del suo lavoro ha avuto luogo alla Galerie Mánes di Praga nel 1946. Lo stesso anno, Kupka ha partecipato al Salon des Réalités Nouvelles, dove ha continuato a esporre regolarmente fino alla sua morte. Durante i primi anni ’50, ottenne un riconoscimento generale e tenne diverse mostre personali a New York.

Section d’Or o Puteaux Group

Albert Gleizes o della pittura e della teoria (gruppo di Puteaux)

Jean Metzinger dalla geeometria al cubismo (gruppo di Puteaux)

Ti saluto in una pesca

***divertissement al modo della poesia araba medievale e quella delle corti di Spagna***

..*
Ti saluto in una pesca,
Una pesca in mezzo al vassoio,
Avrei preferito baciarti,
Mentre mordicchiavi il mio collo,
In fondo al letto.

Ti saluto in un’arancia succosa,
La mia bocca è dolce come miele d’estate.
Io sono una rete di seta
E tu un falco alato.

Ti saluto in una coppa
Di rosse ciliege
Apri le tue ali e portami lontano.

..*

lascia ch’io frughi
lo scrigno della notte
con sussurri di parole

lascia ch’io assaggi
il miele dei tuoi occhi
il nettare della tua bocca
e ne riempia in segreto
caraffe d’argento

la nostalgia a te mi riconduce,
errante bagliore in filo d’alba

..*

Ho bevuto
dal palmo della tua mano
vino di luna

ho asciugato le mie labbra
nei tuoi capelli

ho accarezzato la tua gola
nido della tua voce

ho mordicchiato le dita
delle tue mani
dolci scrigni di morbide carezze

ho cercato la luce
dei tuoi occhi
ed in essi mi sono ritrovata.

..*

Toccami con le punta della dita
dove l’incavo del collo
è piu’evidente,
baciami a piccoli sorsi
le spalle dove
il vestito scopre
un morbido lembo di pelle,

addenta il mio labbro,
percorrilo lentamente
con piccoli morsi

mela piu’ tenera
non potrai assaporare
arancia piu’ succosa
non potrai gustare
melagrana piu’dolce
non potrai assaggiare
sono io il tuo frutto.

..*

ti sedurrò col vino ed il miele
allunghero le mie dita sottili verso
il tuo capo e seppellirò nelle tue mani
la mia testardaggine, annegando ebbra
nel nero cupo dei tuoi occhi

muta il corpo al desiderio
si espande modellandosi
in fiumi sttaripanti e senza argini

resta con me ancora un poco
il sonno tarda a venire

..*mi ha sempre affascinato la poesia araba medioevale e quella che si “cantava” in Andalusia e in Sicilia, la poesia era sempre accompagnata da musica
E’ una poesia prevalentemente d’amore , un amore passionale e carnale, dove la donna , regina dei cuori, è vista come oggetto del desiderio, dove per la donna amata si fanno pazzie e si coniano similitudini le più svariate.
è una poesia che usa il reale e lo racconta come fosse pensiero, personificazione di concetti astratti, è una poesia dove l’aggettivazione che ai nostri occhi può sembrare ridondante serve a rafforzare un concetto (falco alato ad es.)
nella lingua araba una cosa si può dire in almeno 10 parole diverse ognuna con una sfumatura particolare e adatta al ripo di discorso o descrizione che si fa.
è un poetare che sembra semplice, ma segue regole molto complesse soltanto non tantissimi anni fa la poesia araba ha approcciato al verso libero
fa riferimento in gran parte alla corrente sufi e contrariamente a quanto si pensa rende il “profano” sacro …
esistono molte donne che nell’epoca che va dall’VII all’VIII secolo hanno scritto versi d’amore in senso lato in particolare Rabi’a al-Adawiya, che ha parlato dell’amore per Dio in un modo assolutamente “profano”, donna dalla vita intensa, e anche socialmente attiva è forse l’unica conosciuta in occidente perchè considerata “una santa” dell’Islam (cosa che mi lascia dubbiosa) comunque alcuni suoi scritti sono tradotti in Francese e alla Sorbona anni fa tenevano anche corsi su di essi
una curiosità , alcuni dei suoi versi sono stati musicati per Om Kaltum la piu’ grande cantante che il mondo arabo abbia conosciuto.. negli anni ’50
è una poesia che si può definire profana e sacra al medesimo tempo, l’amore per Allah è spesso identificato all’amore terreno per una donna
donna che è sempre oggetto del desiderio ma anche pensiero intelligenza, astuzia e forza.
è una immagine di donna che a me gusta molto, sensuale, forte, coraggiosa, volitiva e libera nello spirito

ho provato spesso a cimentarmi nel provare a scrivere qualcosa che andasse in quella direzione, senza “copiare” gli stilemi, ma soltanto cercando di avvicinarmi ad essi mantenendo il mio modo di essere.
non sempre ci sono riuscita perchè è piu’ facile a dirsi che a farsi, ma non ho ancora desistito,
non ho difficoltà a dire che le cose che scrivo so io per prima che sono imperfette, spesso contengono errori anche grossi, ma non ho gli strumenti “materiali” per fare di meglio, e siccome scrivere mi piace comunque, sono sempre felice se qualcuno mi corregge, non la ritengo una intrusione, ma un arricchimento grande!!

il musicista Luis Delgado in ” El Hechizo de Babilonia” ha messo in musica i testi di sei poetesse arabo-andaluse vissute fra XI e XIII secolo, purtroppo non ho trovato traduzioni italiane di queste poesie!

IMPORTANTE!

mi permetto di aggiungere qui ( col suo consenso) un commento di Claudio Capriolo che cura un Blog unico nel suo genere,e che ci regala chicche musicali che difficilmente si trovano altrove, eccolo:

Secondo una teoria abbastanza accreditata, i trovatori presero spunto, fra l’altro, da forme poetico-musicali di origine araba affermatesi nella Penisola iberica durante la dominazione musulmana: per esempio lo زجل (che nei testi di filologia viene traslitterato in zajal o zejel), una forma strofica che fu praticata da poeti attivi in Andalusia a partire dall’XI secolo con Ibn Quzmān.

Poesia e musica inscindibili anche in Europa almeno fino al Trecento. L’ultimo grande poeta-musicista fu Guillaume de Machaut (o Machault), morto nel 1377; già il suo allievo Eustache Dechamps(† 1406) non era più in grado di rivestire di musica i propri versi.

A proposito: anche alcuni fra i trovatori non erano abbastanza bravi a comporre musica, e così dovevano fare ricorso all’aiuto di collaboratori versati nell’arte musicale, cercandoli fra i membri della servitù (salvo poche eccezioni, i trovatori appartenevano alle classi aristocratiche). Questi collaboratori erano detti in latino servi ministeriales: la parola ministerialis, che deriva da ministerium nell’accezione di “mestiere”, in lingua d’oïl divenne ménétrier, donde l’italiano menestrello. Ovviamente nella scala sociale i menestrelli, che erano compositori, stavano un gradino più su dei giullari (in latino ioculatores, in lingua d’oc joglar, in lingua d’oïl jongleurs), meri esecutori. E tenevano molto a questa differenziazione sociale, tanto che nella seconda metà del Duecento il trovatore Guiraut Riquier rivolse una supplica a Alfonso X il Saggio affinché con la propria autorità si esprimesse, una volta per sempre, sulla confusione che regnava nella corte riguardo alle parole trobaire (trovatore) e joglar.

Grace Pailthorpe o della psicologia nell’arte

Grace Pailthorpe
inglese 1883 – 1971

l’artista di cui voglio parlarvi oggi è molto particolare, nasce come medico chirurgo e poi psicologo , ma con un occhio ai pennelli, quindi i suoi quadri hanno un’atmosfera particolare, sicuramente surrealisti, ma con un occhio diverso dai canoni prestabiliti
è stata una artista molto discussa e spesso contestata dagli atri artisti surrealisti, ma devo dire che le sue “lezioni” e il suo approccio all’arte attraverso l’analisi psicoanalitica sono molto interessanti e ultimamente molto lette, quasi sconosciuta in Italia è molto nota in Caanada e negli US
nasce a St Leonards-on-Sea nel Sussex, terza figlia e l’unica figlia tra i dieci figli maschi nati da Edward Pailthorpe e Lavinia Green, entrambi membri dei Plymouth Brethren , una severa e setta religiosa puritana
si iscrisse al Royal College of Music nel 1908 ma decise presto di studiare medicina e nel 1914 si era qualificato come medico presso la Royal Victoria Infirmary di Newcastle upon Tyne con una laurea conseguita dalla Durham University e durante la prima guerra mondiale prestò servizio, come chirurgo negli ospedali militari di Londra, Parigi e Liverpool.
nel 1915 ha lavorato, al fianco sia Henry Tonks e John Masefield , al Hôpital Temporaire d’Arc-en-Barrois in Haute Marne in Francia, e durante il 1916 ha lavorato come chirurgo presso l’ ospedale delle donne scozzesi a Salonicco
dopo la guerra, ha viaggiato molto in tutto il mondo, tra cui quattro anni di lavoro come ufficiale medico distrettuale a Youanmi in Western Australia tra il 1918 e il 1922 e quando tornò in Inghilterra nel 1922, ha iniziato a studiare psicologica e analisi freudiana iniziando la ricerca sulla psicologia criminale alla prigione di Birmingham e, nel 1923, con una borsa di studio del Medical Research Council ha iniziato la ricerca presso la prigione femminile di Holloway
lo stesso anno ha pubblicato un articolo sul comportamento delinquente su The Lancet ed è diventata membro associato della British Psychoanalytic Society, ha continuato a pubblicare libri e articoli sulla psicologia della delinquenza e, nel 1931, ha fondato l’Associazione per il trattamento scientifico dei criminali, che alla fine è diventata la moderna Portman Clinic, ora con sede all’interno del National Health Service , e il Center for Crime and Studi sulla giustizia . l’Associazione fu la prima al mondo per il trattamento scientifico della delinquenza e annoverò tra i suoi Vice Presidenti Carl Jung , HG Wells e Sigmund Freud
nel 1935 Pailthorpe incontrò Reuben Mednikoff
e insieme iniziarono la ricerca sulla psicologia nell’arte. Sposatisi e residenti a Port Isaac in Cornovaglia, la coppia ha intrapreso esperimenti di psicoanalisi e ha creato opere vicine all’arte surrealista .
contribuì all’Esposizione Internazionale del Surrealismo tenutasi a Londra nel 1936 e contribuì anche ad altre mostre e pubblicazioni surrealiste, come il London Bulletin
I suoi dipinti e disegni furono molto apprezzati, tra gli altri, da André Breton e nel 1938 ha pubblicato “L’aspetto scientifico del surrealismo”, che non è stato ben accolto da altri artisti surrealisti britannici. In questo, e in quelli successivi, ha avanzato la teoria che il surrealismo e la psicoanalisi fossero entrambi mezzi per la liberazione personale e lo sviluppo della creatività artistica e della libertà di espressione
lei e Mednikoff hanno intrapreso un’analisi reciproca dell’arte per determinare le associazioni dietro ogni immagine; considerando questo come un’alternativa all’analisi convenzionale, cambierebbero i ruoli di paziente e analista tra di loro ogni due settimane.
sebbene abbia presentato i risultati di questi studi non ortodossi in lezioni ai colleghi, gli studi non furono pubblicati mentre era vita.
dopo una serie di disaccordi sull’organizzazione e sugli spazi espositivi, Pailthorpe e Mednikoff furono “formalmente” espulsi dal gruppo surrealista britannico nel 1940.
nel luglio 1940, Pailthorpe e Mendnikoff lasciarono la Gran Bretagna per New York City prima di trascorrere del tempo in California e dal settembre 1942 all’aprile 1943 Pailthorpe lavorò all’ospedale Essondale Mental Health nella British Columbia e nel 1944 lei e Mednikoff tennero una mostra congiunta alla Vancouver Art Gallery . questa mostra che conteneva oltre ottanta opere è stata estremamente influente nello sviluppo dell’arte surrealista nel Canada occidentale, oltre alla mostra, Pailthorpe ha tenuto una serie di lezioni sul surrealismo, una deile quali è statoìa trasmessa dalla Canadian Broadcasting Corporation
La coppia tornò in Inghilterra nel marzo 1946 e dal 1948 al 1952 Pailthorpe fu consulente psichiatra presso la Portman Clinic, con Mednikoff come suo assistente. Gestì anche una School of Art Therapy dal 1950 al 1958, quando si trasferì nel Sussex.

la sroria tra Grace Pailthorpe e Reuben Mednikoff, merita un post a parte perchè davvero fuori dalle righe e dagli schemi e ve ne parlerò domani

Joan Mirò o del linguaggio dei segni

Il carnevale di Arlecchino, 1924-25
Joan Mirò
spagnolo 1893 – 1983

diceva Mirò:«Un quadro non finisce mai, non si comincia nemmeno. un quadro è come il vento: qualcosa che cammina sempre senza posa».
In sintesi, auspicava che le sue opere potessero essere un seme pronto a germogliare tra le mani delle future generazioni.
Mirò ci presenta il suo mondo onirico, fantastico, quasi febbrile, fatto di linee, di collage e di calligrafia, attraverso il quale l’artista ci invita a fermarci e a riflettere in questo mondo che ormai ha perso l’abitudine di assaporare fin in fondo la purezza e l’istantaneità di un gesto, un segno appunto.ì, il suo linguaggio rivoluzionario trasforma l’arte del XX secolo
Attraverso l’arte, Mirò esplora il linguaggio dei segni, il rapporto tra le immagini e il loro significato. Inizia a ridurre gli oggetti a semplici sagome e a elementi essenziali, a pensare alla superficie pittorica come a uno spazio destinato a segni e iscrizioni.
Il segno diventa sostituto di qualcosa che non è più fisicamente presente e nel perfezionare il suo vocabolario visivo, l’artista sviluppa uno stile esclusivo, astratto, a tratti difficile, che modifica il corso dell’arte moderna.
non vi lascierò una biografia sua perchè la potete trovare facilmente su Wikipedia, ma vorrei invece riportare qui (in sintesi) uno studio che io trovo la cosa migliore che ho letto su Mirò del professor Robert Lubar Messeri che segue le impronte di Joan Mirò da anni, e che ha individuato nove sezioni per spiegare i punti nodali dell’artista spagnolo:

«–1 Il Linguaggio dei Segni. A partire dalla Ballerina del 1924,

vienemesso in evidenza come Mirò sfrutta le molteplici funzioni della linea come contorno, come scrittura e come indicatore dello spazio, consentendo scambi produttivi di significato.
–2 La Figura nella Rappresentazione. Dall’inizio degli anni Venti, la figura diventa il soggetto prediletto delle indagini di Mirò.
–3 La Figura nello Sfondo. L’artista dà vita a un universo di uccelli volteggianti, corpi astrali, figure gesticolanti e creature fantastiche che sembrano muoversi senza sforzo sulla superficie della tela. A volte la figura è nel processo stesso della creazione, come evocata dai segni e dalle macchie presenti sulla tela grezza.
–4 Collage e L’Oggetto. Già nel 1916 incorpora un frammento del quotidiano di Barcellona “La Publicidad” in uno dei suoi dipinti. Da quel momento tornerà al collage nel corso della sua lunga carriera.
–5 I Dipinti Selvaggi. Sono l’espressione di rabbia verso un mondo impazzito, travolto dalla follia e dall’odio che porteranno inevitabilmente alla guerra.
–6 L’Elasticità del Segno. Mirò svuota finalmente i segni di riferimento, spogliando il linguaggio fino ai suoi componenti primari. Il segno e il gesto grafico hanno la precedenza sul significato.
–7 Calligrafia e Astrazione Gestuale. La calligrafia giapponese e il successo dell’Action Painting in America e in Europa hanno influenzato le opere di Mirò.
–8 La Materialità del Segno. Durante la primavera del 1973, Mirò, collaborando con il tessitore Josep Royo, realizza una serie di opere a metà strada tra pittura e scultura definite Sobreteixim dal critico Alexandre Cirici i Pellicer. Nelle trame di juta, lana, cotone, canapa che Royo prepara, Mirò incorpora oggetti comuni.
–9 Le Tele Bruciate e la Morte del Segno. Mirò esegue, sempre con Royo, cinque “Tele bruciate”.

Dopo aver tagliato le superfici con un coltello, l’artista applica masse di pigmento su varie aree della tela, usando una torcia per stendere la vernice. Mirò e Royo bruciano con cura le varie sezioni del supporto, rendendo visibile la struttura deltelaio carbonizzata. Poi aggiunge altra vernice e il processo ricomincia».

inutile dire che a me piace molto!

Robert Delaunay o del cubismo orfico

Robert Delaunay
francese 1885 – 1941

con il termine “cubismo orfico” o orfismo il poeta e critico francese Guillaume Apollinaire definì lo stile pittorico di Robert Delaunay che approdò, mediante la scomposizione prismatica del colore, all’astrazione della forma. La ricerca di Delaunay verso una pittura “pura”, basata sul movimento e sulla luce, passò dalle fondamentali opere del periodo sperimentale (Cattedrale di Saint-Séverin

e La Torre Eiffel, 1910-11, Filadelfia, Museum of Art)

a quelle più propriamente orfiche: la serie di Finestre simultanee

(1911, Parigi, collezione privata; 1912, New York, Guggenheim Museum) e il primo Disco simultaneo

(1913, New York, Museum of Modern Art) in cui il colore dissolve i volumi in sequenze di ritmi cromatici e in un vorticoso e geometrizzante turbinio. Sensibili alla ricerca astratta dell’orfismo furono anche gli artisti del Blaue Reiter, in particolare P. Klee, e Marcel Duchamp, che, superando il cubismo, approdò a una composizione dinamica in cui il mezzo cromatico ha la preminenza sulla forma. Robert Delaunay nacque a Parigi, figlio di George Delaunay e della contessa Berthe Félicie de Rose, quando era ancora molto giovane i genitori divorziarono e lo affidarono alle cure della zia materna, Marie, e del marito Charles Damour, che vivevano a La Ronchère a pochi chilometri da Bourges.
cominciò a dipingere in giovane età, adottando, per l’ammirazione nutrita nei confronti di Paul Gauguin, di Georges-Pierre Seurat e dei fauves, una tecnica post-impressionista.
a partire dal 1908, risentendo dell’influenza di Paul Cézanne e del cubismo, si indirizzò verso il rigore formale e verso una ricerca analitica sul colore in relazione alla moltiplicazione dei piani luminosi, di cui sono evidenti i risultati nelle serie di dipinti di intonazione modernista del periodo.
a partire dal 1909, Delaunay cominciò a dipingere le serie della città di Parigi e della Torre Eiffel, in cui l’interesse si spostò gradualmente dalla scomposizione dei volumi, propria del cubismo analitico, alla scomposizione del colore e allo studio del movimento; in questa evoluzione, alcuni critici riconoscono l’influenza del futurismo.
nel 1910 sposò Sonia Terk, una pittrice di origine ucraina conosciuta nel 1908. Su invito di Vasilij Kandinskij, nel 1911 Delaunay si avvicinò al gruppo Der Blaue Reiter,: sotto l’influenza di Paul Klee, la sua arte si volse con sempre maggior decisione verso l’arte astratta.
intorno al 1912, Delaunay si allontanò dall’ortodossia del cubismo e, insieme alla moglie Sonia, creò all’interno del movimento cubista la corrente che Guillaume Apollinaire definì orfismo (termine che deriva da Orfeo, mitico musico della mitologia greca) per l’intima natura musicale, in cui le scomposizioni del colore con i loro effetti di compenetrazione, di simultaneità, di dinamismo, acquistano un valore autonomo, indipendente dagli oggetti rappresentati.
nelle prime opere di questo periodo sono presenti oggetti reali, anche se filtrati attraverso i colori iridescenti della luce, mentre i dipinti successivi sfociano in una pittura del tutto astratta, basata sull’espressività dei colori puri che infondono una vibrazione ritmica alla superficie pittorica. La geometria cubista è così resa sensibile e viva dal colore e l’artista trova una sintesi armoniosa tra rigore strutturale ed evasione lirica.
realizzò quindi dipinti astratti in cui i piani si sfaccettano moltiplicandosi nei colori dello spettro e ruotando in vortici luminosi. Nel 1913 Delaunay, insieme alla moglie, trascorre l’estate a Louveciennes, dove riesce a sperimentare su di sé precise sensazioni legate ai colori, osservando direttamente l’abbagliante luce solare e cercando di fissare sulla tela le immagini che persistevano nella sua mente una volta chiusi gli occhi. Alla ricerca di una pittura pura, permeata di luce e vibrata di “contrasti cromatici simultanei” assume la luce come elemento pittorico fondamentale, e le sue prime opere non figurative ebbero soprattutto il significato e il valore di esperienze di ordine tecnico, in funzione di tale ricerca. l’unità di base della sua pittura diventa il disco: simbolo non solo di luce, ma anche del Sole, realizzando così varie tele intitolate Contrasti simultanei e Forme circolari (1912-1931), composizioni raffiguranti un ritmico vortice cromatico, che schiarisce progressivamente man mano che ci si avvicina al centro del dipinto, dove i colori finiscono per fondersi in un bianco che pervade tutto.
autioritratto

dopo il 1914 Delaunay tornò a temi figurativi, sempre trasfigurandoli nel dinamismo del colore, non trovando però accenti di originalità e intensità poetica simili agli anni precedenti.
allo scoppio della Seconda guerra mondiale, i Delaunay si allontanarono da Parigi, nel tentativo di evitare l’invasore tedesco.
Delaunay morì di cancro il 25 ottobre 1941 a Montpellier.

Telemaco Signorini o dei macchiaioli

Telemaco Signorini
italiano 1835 – 1901

nato nel quartiere Santa Croce di Firenze , ha mostrato una precoce inclinazione allo studio della letteratura, ma con l’incoraggiamento del padre, Giovanni Signorini. pittore di corte del Granduca di Toscana , decise invece di studiare pittura e nel 1852 si iscrive all’Accademia fiorentina e nel 1854 dipinge paesaggi en plein air
l’anno successivo espone per la prima volta presso la Società Promotrice delle Belle Arti dipinti ispirati alle opere di Walter Scott e Machiavelli
nel 1855 iniziò a frequentare il Caffè Michelangiolo di Firenze, dove conobbe Giovanni Fattori , Silvestro Lega , Saverio Altamura e diversi altri artisti toscani che presto sarebbero stati soprannominati i Macchiaioli
i Macchiaioli, insoddisfatti delle antiquate convenzioni insegnate dalle accademie d’arte italiane, iniziarono a dipingere all’aperto per catturare la luce naturale, l’ombra e il colore, erano precursori degli impressionisti che, a partire dagli anni ’60 dell’Ottocento, avrebbero perseguito obiettivi simili in Francia
Signorini fu volontario nella seconda guerra d’indipendenza italiana nel 1859, e successivamente dipinse scene militari che espose nel 1860 e nel 1861, fece il suo primo viaggio fuori dall’Italia nel 1861 quando visitò Parigi , dove sarebbe tornato spesso nei decenni seguenti, lì conobbe Degas e un gruppo di artisti italiani espatriati nella sua orbita, tra cui Giovanni Boldini , Giuseppe De Nittis e Federico Zandomeneghi ; a differenza di loro, però, Signorini rimase radicato in Italia
divenne non solo uno dei principali pittori dei Macchiaioli, ma anche il loro principale polemista.
Lo storico dell’arte Giuliano Matteucci ha scritto descrivendo il suo ruolo : “Se riconosciamo Fattori e Lega come le maggiori figure creative dei macchiaioli , allora Signorini va sicuramente riconosciuto come il loro ‘ deus ex macchina , il suo ruolo è quello di catalizzatore ed energico dottrinario. Trasformando l’attenzione dalla pittura storica e dal ritratto accademico verso una nuova interpretazione poetica del paesaggio naturale, la parte di Signorini è stata di fondamentale conseguenza per la pittura macchiaioli “.
l’influenza della fotografia è spesso suggerita dalle composizioni asimmetriche delle opere di Signorini, e le sue ultime incisioni di scene di strada rivelano influenze aggiuntive: quelle dell’arte giapponese e Whistler , nelle loro semplificazioni di forma, effetti atmosferici e trattamento appiattito dello spazio.
iniziò ad insegnare all’Istituto Superiore di Belle Arti di Firenze e morì in quella città.

Franz Marc o del ” Der Blaue Reiter”

Franz Marc
tedesco 1880 – 1916

Franz Marc era una figura di spicco dell’Espessionismo tedesco e uno dei membri chiave dell’influente gruppo artistico, “Der Blaue Reiter” . Inizialmente, Marc voleva diventare un insegnante di scuola superiore e si iscrisse all’Università di Monaco per studiare filosofia e teologia. Tuttavia, un anno dopo, nel 1900, decise di dedicarsi alla pittura ed entrò nelAccademia di Belle Arti di Monaco, dove ha studiato con i pittori Gabriel von Hackl e Wilhelm von Diez. Marc rimase all’Accademia per due anni prima di fare un lungo viaggio a Parigi. Lì, vide le opere diImpressionistie le xilografie giapponesi, che lo hanno portato ad adottare un approccio più moderno in termini di colore e linee semplificate. Durante il suo secondo viaggio a Parigi nel 1907, Marc scoprì le opere diCubisti (Pablo Picasso) e Post-impressionisti (Paul Gauguin, Vincent van Gogh). La combinazione di queste influenze era evidente nei primi dipinti di Marc come Donna al vento in riva al mare (1907)

e Jumping Dog Schlick(1908)

Il suo stile iniziale era naturalistico e l’artista gravitava verso il mondo naturale, in particolare gli animali. L’artista aveva un profondo affetto per gli animali e trascorreva molte ore a studiarne i movimenti e il comportamento. Per Marc, gli animali avevano la spiritualità e l’innocenza che l’uomo aveva perso da tempo. In quadri come Cavallo in un paesaggio(1910),

cercò persino di emulare il punto di vista e l’esperienza del mondo dell’animale.
la serie dei cavalli blu

Il 1910 è un anno significativo per Marc: tiene la sua prima mostra personale a Monaco e incontra il pittore espressionista August Macke. L’anno successivo si è unito a Monaco di Baviera a New Artist’s Association e fece amicizia con uno dei fondatori, l’artista russo Wassily Kandinsky. Dopo una divisione interna, Marc e Kandinsky lasciarono il gruppo e formarono il gruppo artistico rivale, “Der Blaue Reiter” (Il cavaliere blu)
Il gruppo tenne la sua prima mostra a Monaco nel dicembre 1911 e la seconda mostra due mesi dopo con i membri di un altro gruppo espressionista, Il ponte. Inoltre, nel 1912, Marc e Kandinsky pubblicarono The Blue Rider Almanac con diversi articoli di Marc.
I rapporti di Marc con Macke e Kandinsky sono stati un fattore essenziale nel suo sviluppo creativo. Gli artisti condividevano l’obiettivo di creare un’arte che esprimesse la natura spirituale delle cose, andando oltre la rappresentazione del mondo oggettivo. Attraverso discussioni con Kandinsky e Macke, Marc ha sviluppato le sue idee sulla teoria del colore, il simbolismo e l’astrazione. Nel 1914, poco prima della guerra, Marc iniziò la sua transizione verso uno stile astratto in dipinti come

Forme di combattimento(1914). (questo è un quadro a cui io sono legaya sentilmentalmente, lo vidi a Monaco di Baviera a 12 anni e non l’ho mai dimenticato, quelle macchie di colore sono state nei miei occhi pern anni e mi hanno spinto ad iniziare la mia ricerca personale sul colore)

Dopo lo scoppio della prima guerra mondiale, Marc si offrì volontario per prestare servizio nell’esercito tedesco. Morì nel 1916 in battaglia vicino a Verdun. L’eredità di Marc fu profondamente influenzata dai successivi sviluppi in Germania e dall’ascesa al potere del partito nazista. Nel 1937, i nazisti iniziarono la loro campagna contro l’arte moderna, che consideravano “arte degenerata’. Poiché la maggior parte dei dipinti di Marc erano etichettati come “degenerati”, furono confiscati e alcuni furono distrutti o persi durante la seconda guerra mondiale.